BARÓN ROJO “Las Aventuras del Barón”

(Sony/BMG)

Tercer recopilatorio de Barón Rojo en once años, y cuando llegue el trigésimo aniversario seguro que habrá otro. Es muy cómodo sacar material que va a funcionar con total seguridad. Al menos la publicidad servirá de apoyo al verdadero nuevo disco, que ya se encuentra grabado, masterizado y listo para salir, pero claro, a causa de este lanzamiento con el que los barones no contaban, será inevitable postergarlo unos meses. En cualquier caso, creo que de los tres es el más completo de todos. Ofrece una visión más compensada de la discografía en Zafiro de Barón Rojo, que como todos sabemos, coincide con la etapa de la formación original. Todos los trabajos se ven representados, incluso “Siempre Estáis Allí”, el gran ausente de las anteriores recopilaciones. También “No Va Más”, del cual sólo salió un corte en los dos discos dobles, ahora viene muy bien cubierto con sus dos mejores temas, “Trampa y Cartón” y “Travesía Urbana”. Quizá lo mejor es que contiene las dos canciones del famoso single de “Metalmorfosis”, “Herencia Letal” estaba en “Larga Vida Al Barón” e “Invulnerable” se incluía en “Cueste lo que Cueste”. Ahora el que quiera tener estas joyas no tiene que comprarse ambos discos por narices, puesto que al fin vienen las dos juntas. No falta tampoco una muestra de lo único que Barón volvió a grabar con BMG tras la ruptura, el también ya clásico “Cueste lo que Cueste”. Lástima que la presentación sea tan chapucera como de costumbre, ni una biografía, ni las letras, ni siquiera una triste foto. Encima ratearon el pegamento, y el envase de cartón se desencuaderna en cuanto lo abres. Pero todo esto es secundario. El auténtico aliciente, que es lo único que nos va a llevar a comprarlo a pesar de todos los inconvenientes, es el DVD con las actuaciones televisivas. Tenemos 16 temas extraídos de los archivos de RTVE, de programas como “Aplauso”, “Tocata” y otros, emitidos entre 1981 y 1985. Por cierto, el que ha hecho los créditos no se ha molestado en ver los cortes, porque hay algunos más en directo de los que pone en la carátula. ¿La parte negativa? Lo tremendamente desaprovechado que está el espacio. En un sólo DVD habrían cabido sin problemas el triple de actuaciones. Y las había, sin duda. Mientras hay canciones repetidas, faltan otras como “Cuerdas de Acero”, “Hijos de Caín”, “Chicos del Rock”, “Caso Perdido” o “Anda Suelto Satanás”, todas ellas televisadas en su momento. Por no hablar de las de los discos “Tierra de Nadie”, “No Va Más”, y “Cueste lo que Cueste”, que también fueron promocionados en televisión. Y en todo caso hablamos de RTVE, el material que hay de televisiones autonómicas, locales y digitales es también considerable, mucho de etapas más recientes. En resumidas cuentas, el recopilatorio definitivo de Barón Rojo sigue pendiente, porque en ninguno se contempla su discografía completa en las diferentes compañías. Y el DVD se ha quedado a medias para lo que podría haber sido. Pero sólo con sacar este puñado de actuaciones del archivo donde se cubrían de polvo, podemos dar este lanzamiento por bueno.

Nacho Jordán

PLANET ALLIANCE “Planet Alliance”

(Metal Heaven / Goi Music)

Atención a este proyecto escandinavo llamado Planet Alliance. Nace del trabajo común del vocalista de Cloudscape, Mike Anderson, y del guitarrista y gran compositor Magnus Karlsson, al que muchos recordareis por sus últimos trabajos en discos tan reputados como los de Starbreaker (con Tony Harnell) o el dueto Allen/Lande. El disco es un buen ejemplo de heavy melódico pegadizo y bien hecho, muy en la onda de Masterplan y los grupos antes citados. Además aporta un plus de calidad en sus numerosas colaboraciones, que tienen el gusto de contraponer estilos de tocar distintos. Por ejemplo, es muy distinta la manera de tocar el bajo y de entender la música del bajista de Hammerfall, Magnus Rosen, con la de Bob Daisley (Ozzy, Rainbow, Gary Moore); o el modo de tocar la batería de Anders Johansson (Yngwie, Hammerfall), contundente y sobrio, con la de Jaime Salazar (Last Tribe, Allen/Lande) llena de versatilidad y eclecticismo. Ni te cuento de las guitarras, con estilos tan diferentes como la variedad de efectos y rapidez de Matthias Eklund (Fate, Freak Kitchen), Carl Grimmark (Narnia, Rob Rock) o la elegancia y el temple de Magnus Karlsson, compositor de todos los temas y auténtico líder del proyecto. Temas llenos de potencia y armonía melódica, en perfecta simbiosis, seducen al oyente. Si eres un amante del heavy melódico, cortes como “Remember Me”, “Calling My Name” o la pegadiza y directa “It´s Cross To Bear” no te defraudarán. Como siempre, será muy difícil poder ver a este grupo en directo, porque juntar a los componentes del proyecto es casi imposible (cada músico tiene su propia historia). Con todo, conseguir un sonido que mezcla aromas de Masterplan, Hammerfall, Starbreaker o de Allen/Lande no es tarea fácil, y este proyecto, Planet Alliance, lo ha conseguido.

Jesús “Nono” García

UFO “Monkey Puzzle”

(SPV / Mastertrax)

El legado musical de UFO se remonta a 1970, y necesitaríamos mucho más que el espacio de una simple crítica musical para recordarlo. Los que crecimos con grupos como Saxon, Maiden, Judas, etc. llevamos todos en el corazón a esta legendaria banda londinense. Un ejemplo que sigue vivo de hacer buen rock, genuino y sin artificios, tanto en estudio como en directo. Sin duda, este “Monkey Puzzle” es otra muestra de lo que espera un seguidor de UFO: rock dinámico, directo y pegadizo, lleno de feelín y buenas melodías. Quizás un matiz a tener en cuenta: unos guiños al blues y el boogie blues más acentuados que anteriores entregas. Y por encima de todo, el enorme y talentoso trabajo de Vinnie Moore a las guitarras. El hacha americano, perfectamente integrado en la banda, ofrece todo un curso de guitarras, y los temas están llenos de efectos y de finos solos de guitarra. Enorme. ¿Quién decía que Vinnie Moore no se integraría en la banda? Nada más lejos de la realidad. Muchos comentaban que era demasiado ególatra, muy rápido y efectista, pero poco disciplinado para tocar en un grupo rodado e histórico como UFO. Decían que necesitaban un guitarrista de estilo europeo, a lo Schenker o Paul Chapman. En la gira del año pasado pudimos ver su integración en directo, soberbia, pero en este “Monkey Puzzle” se ha salido. Escucharás solos tradicionales (“Hard Being Me”), afilados punteos de guitarra (“Kingston Town”) o efectos que recuerdan al órgano (“Rolling Man”) o la armónica (“Some Other Guy”). El resto de la formación sigue al pie de cañón, con sobriedad y elegancia. Destacar la vuelta de Andy Parker, el batería referencia histórico de UFO, que sustituye a Jason Bonham (ahora con Foreigner). Pete Way sigue siendo él, un loco enamorado del rock y de su bajo, extraordinario a las composiciones, y Paul Raymond cumple de sobra a la rítmica y los teclados. De Phil Mogg sólo puedo deciros que sigue cantando con ese timbre de voz tan personal que hace de UFO una banda fácilmente reconocible. Este "Monkey Puzzle" firma canciones extraordinarias, como “Hard Being Me” (los UFO de siempre), la contundente “Heavenly Body”, un maravilloso blues como “Some Other Guy” (recuerda al blues eléctrico de Albert Collins o Roben Ford), el precioso medio tiempo “Who´s Fooling Who” (una maravilla), “Drink Too Much” (Way y Mogg os cuentan su vida en una canción), el temazo que es “Down By The River” (fantástico boggie rock, arropado por coros femeninos) o la sorprendente “Rolling Man”. Dicen los que escucharon el disco que se trata de otro más de UFO, con la elegancia y las mismas referencias de siempre. Yo creo que aporta matices especiales (más blusie ,coros femeninos, enorme Vinnie Moore, etc) para convertir este “Monkey Puzzle” en un trabajo superior a entregas anteriores.

Jesús “Nono” García

ICON “Live - Never In A Million Years”

(Frontiers / Mastertrax)

Nadie duda del enorme calado que supuso la irrupción de Asia en el escaparate del rock en los años 80. Un grupo que contaba con músicos de enorme talento, y que fusionaba a la perfección rock melódico/sinfónico con canciones llenas de comercialidad y elegancia. De los Asia del pasado, mantienen el recuerdo dos de sus miembros más representativos: John Wetton (voz y bajo) y Geoff Downes (coros y teclados). A la espera de la unificación de sus miembros originales, anunciada desde hace mucho, este dúo tiene claro su cometido: lanzar como churros trabajos, con mayor o menor sentido, para mantener vivo el espíritu de Asia. Y no es que sean malos discos, pero el tufillo a interés comercial y propagandístico rezuma por todos los lados. Me remito a los hechos: hace escasos meses publicaron en formato cd/dvd un directo llamado “Accoustic TV” que recogía un show acústico para la televisión, de mediocres resultados. Con anterioridad publicaron su opera prima como Icon, que no era un mal disco, pero no llegaba ni por asomo a los anteriores de Asia. En breves semanas publicarán la segunda entrega, titulada “Rubicon”. Y entre medias, este “Live - Never In A Million Years”. Demasiado. Sin embargo, este “Live” quizás sea el mejor de los discos antes comentados. Bien producido y remasterizado, recoge los shows que ofrecieron entre Octubre de 2005 y Junio de 2006. Arropados con solvencia por John Mitchell a las guitarras y por Steve Christey a la batería, la calidad de Wetton y Downes está fuera de toda duda. Además, recordar temas de Asia tan añorados como “The Heat Is On”, “Only Time Will Tell”, “Voice Of America”, “Days Like These”, “Let Me Go”, “Open Your Eyes” o “The Smile Has Left Your Eyes”, con temas propios como “Paradox” o “I Lay Down” merecen mucho la pena. Repito, a la espera de la reunificación de Asia, este “Live” de Icon (Wetton/Downes) es un disco especialmente recomendado para los nostálgicos y acérrimos seguidores de la banda.

Jesús “Nono” García

MOB RULES “Ethnolution A.D.”

(SPV / Mastertrax)

Los germanos Mob Rules siguen con su progresión y consolidación dentro del metal melódico europeo. Y lo hacen con su trabajo más maduro hasta la fecha, quinto ya en su carrera; además de por la música llena de matices y detalles, sobre todo por la temática de las letras alejadas de los temas draconianos tan habituales entre las bandas del género que nos ocupa. Todo este “Ethnolution A.D.” desde su portada con una torre de Babel insertada en una bonita ilustración, esta lleno de referencias a la diversidad de las etnias humanas y los conflictos que se generan entre ellas, sobre todo en la primera parte homónima de la obra dividida en seis partes que funcionan perfectamente por separado pero que tienen como nexo de unión historias de enfrentamiento racial, como la caída del Muro de Berlín, la historia del Ku Klux Clan en América, o el conflicto de Oriente Medio. Musicalmente desde el prólogo inicial que da paso a la más épica y pomposa llena de arreglos orquestales “Unholy War” vemos que estamos delante de un disco elaborado y en absoluto hecho a la ligera. Con “Ashes To Ashes” dan un paso más hacia los sonidos progresivos, con base metálica siempre, y dando buena muestra de su calidad instrumental sin perder frescura en su estructura con estribillo claro y diferenciable. Más tradicionalmente metaleros y acelerados atacan con “Fuel To The Fire”, un corte algo menos elaborado y más machacón. Cierran esta primera parte conceptual con la breve instrumental “Veil Of Death” con protagonismo total para los guitarristas Matthias Mineur y Sven Lüdke, y con la más sinfónica y alegre “The Last Farewell” donde brillan los teclados de Sascha Onnen y los coros que arropan las melodías de la personal voz de Klaus Dirks. La segunda parte se inicia con “Day And A Lifetime” con cierto aire gótico y melancólico aunque sin caer en el sonido depresivo de la mayoría de las formaciones de este estilo, y con muchísima melodía. Más aceleración con “River Of Pain” en un tema más monótono, mientras que el sonido oriental que impregna “Ain’t The One” hace de este uno de los temas más originales y llamativos del disco. Sonidos más modernos de teclados para “New Horizon” dentro de una estructura más típica de heavy metal con buena combinación de sonidos guitarreros y sinfónicos. Más calmada y bastante progresiva le sucede “With Sparrows”, un buen corte que sigue confirmando la evolución del grupo, al igual que el cierre con “Better Morning” en clave de balada coral. Buen disco, con buenas composiciones, aunque a veces un poco espeso para escucharlo del tirón.

Mariano Palomo

WARCRY “La Quinta Esencia”

(Jaus Records / Avispa)

Probablemente la formación más trabajadora y una de las más reconocidas de España publica su quinto álbum en estudio desde que en 2002 debutaran con su obra homónima. Y en este tiempo una trayectoria continuamente ascendente en cuanto a popularidad, sobre todo ente el público más joven, y algo más irregular en cuanto a calidad y creatividad musical en mi opinión. Momentos brillantes e impactantes, más en forma de temas que de discos completos, sobre todo con la magnífica “Capitan Lawrence” de su “Sello De Los Tiempos” probablemente el disco más completo de los astures, y por el contrario otros más monótonos y repetitivos con trabajos bastante flojos en mi opinión como “Alea Jacta Est” o el más experimental “Donde Está La Luz” que subió un poco el nivel. Y esta “Quinta Esencia” está un poco entre medias, y vuelve a mostrar buenas y trabajadas composiciones, con brillantez como es el caso de la ochentera “La Vieja Guardia” dedicada a los más veteranos, la épica “Ulises” plena de calidad instrumental sobre todo por parte del teclista Manuel Ramil que ha ganado bastante en peso dentro del grupo, o la romántica con detalles progresivos “Tu Recuerdo Me Bastará” que tiene bastante encanto. Algo de lo que flojean otras como la inicial y reivindicativa “¡Que Vengan Ya!”, o la más espesa y monótona “Buscando Una Luz” en onda más power metalera. En el camino, a pesar de su buena intención inicial, se queda la balada “El Más Triste Adiós” muy tierna pero demasiado estándar y previsible a pesar del buen solo de guitarra que la adorna y de la versión menos áspera de la voz de Víctor García, que sigue dejándoselo todo en este disco, con desigual resultado. Bastante bien por ejemplo en “Ha Pasado Su Tiempo”, una pieza melódica pero con fuerza donde dejan a un lado su vena power, al igual que en “Redención” que se me hace demasiado plana. Mejoran con la más intensa y extensa “Mirando Al Mar” de intrincado desarrollo y que se sitúa entre las mejores del disco explayándose todos los miembros del grupo. Cierre simplemente correcto con la más previsible “Más Allá” que suena bastante a su anterior disco. A parte de los temas, como podéis comprobar hay casi de todo, hay que resaltar la preciosa presentación del disco, además de por la imponente portada, por su distribución en un digipack que se despliega en cuatro bonitos cuadros ilustrados con dibujos clásicos que parecen representar a los cuatro elementos de la naturaleza (fuego, agua, aire y tierra), al estilo de lo que hicieron Masterplan en su primer disco, pero mucho más detallado y currado. En cualquier caso un disco que me parece más interesante que lo que venían ofreciéndonos últimamente Víctor García, Alberto Ardnines y compañía, pero que aun no llega a convencerme plenamente, aunque les reconozco su enorme mérito y capacidad de trabajo para sacar adelante sus obras dignamente en tan poco tiempo.

Mariano Palomo

KROKUS “Hellraiser”

(AFM / Avispa)

Algún día se debería hacer justicia con esta buenísima banda helvética. Ahora que el gran público parece haber descubierto a sus paisanos Gotthard, quizá no sería mal momento para valorar como se merece al grupo más veterano en activo del hard rock suizo. Y es que este “Hellraiser” es probablemente uno de los mejores y más completos trabajos de su dilatada trayectoria discográfica, con una calidad de composición y ejecución realmente importantes, siempre con la potente y camaleónica voz de Mark Storace marcando la pauta junto al gran guitarrista Mandy Meier. Podemos encontrar todas las señas de identidad que han hecho de Krokus lo que son, fuerza, calidad, melodía, en definitiva un conjunto de factores que mezclados con la variedad en cuanto a estilo de los temas, dan como resultado un magnifico trabajo de hard rock en toda su amplitud. Desde cortes donde el estigma AC/DC presente en toda la carrera del grupo vuelve a aparecer con fuerza, sobre todo en el comienzo de disco con dos pelotazos como son “Hellraiser” y “Too Wired To Sleep” donde la voz de Storace parece un calco de la de Bon Scott, al igual que en “No Risk No Gain” realmente enganchante y potente, o en la también correcta “Turnin’ Inside Out” que recuerda a los mencionados Gotthard o a los holandeses Vengeance, como sucede en la final “Rock Off”. El lado más melódico también está presente de la mano de buenísimos cortes como son el delicioso single “Angel Of My Heart”, parece mentira que sea el mismo vocalista que en los temas anteriores con una suave y matizada voz en esta ocasión, al igual que en “Midnite Fantasy” algo más movida, o en las destacadas “So Long” y “Hangman” en la que se lucen los guitarristas Meier y Dominique Favez. La mano del mejor y más currante de los productores actuales, Dennis Ward, queda patente además del en el buen sonido general del disco, en cortes como “Hang On” o “Justice” donde se combinan perfectamente potencia y melodía, al igual que en “Spirit Of The Night” más rápida y donde destaca el trabajo del aporreador Stefan Schwartzmann (ex Accept, Helloween) y que suena mucho a Pink Cream 69 banda de referencia de Ward. Por la misma línea, aunque menos brillantes resultan “Justice” y “Luv Will Survive”, sin ser en absoluto malas, sobre todo esta última. Repito, espero que este nueva obra de Krokus llegue a la gente y que seamos entre todos capaces de ponerles en lugar que les corresponde. Desde 1974 que empezaron ya va siendo hora.

Mariano Palomo

SKID ROW “Revolutions Per Minute”

(SPV / Mastertrax)

Parece que los, en su momento niños mimados de Bon Jovi, quieren seguir recuperando algo de su esencia y de su mucho tiempo perdido desde la salida de la banda de su carismático vocalista Sebastian Bach. Tras la gran decepción que supuso para muchos la edición de su anterior trabajo “Thickskin” donde Johnny Solinger se hacía cargo de las tareas vocales en un redondo ciertamente poco recomendable, Sanke Sabo, Scotti Hill y Rachel Bolan, han decido seguir apostando por él y vuelven a la carga tres años después con este “RPM”. Y el resultado al menos es bastante mejor que en su predecesor, algo nada complicado por otra parte, hay temas donde la caña bien estructurada de sus primeros tiempos vuelve a aflorar, cortes como “Another Dick In The System”, “Nothing” o “Shut Up Baby I Love You” o la más melódica “Strenght” recuerdan bastante a la mejor época del grupo, aun sin llegar a las cotas de calidad y brillantez de antaño pero sí teniendo la misma filosofía musical, incluso con la voz de Solinger bastante cercana a del recordado Sebastian. Por desgracia no todo el disco es tan hard rockero, y la actitud y el sonido más punk y sucio también están presentes, en la inicial y difícilmente digerible “Disease”, en la más llevaderas “White Trash” y “Let It Ride” o en la insulsa “Love Is Dead” que parece una mala copia de “It’s So Easy” de Guns n’ Roses. El disco se completa con “Pulling My Heart Out From Under Me” con aire más moderno que ni fu ni fa, y con dos curiosidades en forma de temas country rockeros acelerados, por llamarlos de alguna manera, la fiestera y me da la sensación que perfecta para el directo “When God Can’t Wait” que acaba haciendo que muevas el pie sí o sí, y “You Lie” que empieza en plan country total casi a lo Kenny Rogers y acaba desparramando en plan punkarra y encima la repiten como bonus track sin ningún tipo de variación. En fin, por lo menos parece que se lo toman con humor y con bastante más acierto de lo que venían teniendo últimamente, a ver sir el próximo disco tiene menos altibajos y podemos disfrutar plenamente del buenos Skid Row de antaño, aunque sea con Solinger.

Mariano Palomo

UZZHUAIA “Uzzhuaia”

(Weight Recordings)

Tras el buen adelanto en forma de EP que nos ofrecieron hace unas semanas, los chicos de Uzzhuaia ponen a nuestro alcance su nueva obra completa de larga duración. Y ciertamente no ha habido sorpresas, han continuado por la línea que nos mostraban en aquellos cuatro cortes previos, es decir rock enérgico, con tientes contemporáneos y con gran calidad instrumental. Aparte de los temas conocidos que ya pudimos saborear en su adelanto, como el single “No Intentes Volver Atrás” que sigue mostrándose como la más destacada del trabajo completo con ese aire los Cult más melódicos que acaba cautivando al escuchante, en la misma medida que provoca la enérgica y más actual “La Cuenta Atrás” que no tiene nada que envidiar a lo mejor de gente como Savia o Sober con un demoledor sonido de guitarra a cargo de Israel y Alex que se combinan a la perfección con la dinámica y contundente pegada de Jose y la solidez al bajo de Álvaro. Todos ellos, junto al personal vocalista Pablo, completan una buena colección de cortes llenos de adrenalina y actitud rockera en absoluto exentos de clase y buen sonido. Desde el corte inicial “Enero” basado en una desagradable experiencia personal del grupo, la cosa empieza ir subiendo grados, con las guitarras muy a lo Guns n’ Roses de la primera y única buena época de los californianos. “Más Allá” está más metida en el siglo XXI, en la onda de “La Cuenta Atrás”, al igual que la más elaborada “Perdido En El Huracán” o “Una Vez Más” en la que las guitarras siguen mandando. Se calman un poco y muestran su lado más tierno con “La Otra Mitad” una conseguida balada acústica donde la voz de Pablo perfectamente acompañada por los coros del resto completan un bonito corte, al igual que en “Apuesta Por Mi” aunque esta más acelerada con aire más western/sureño. Algo más monótona me resulta “No Iré Sin Ti” con un riff machacón sin acabar de engancharme, mientras que “Tu Salvación” marca una pauta algo más dinámica e interesante dentro de unas tesituras más melódicas. La curiosidad para muchos puede ser encontrarse con una más que correcta versión de “La Chispa Adecuada” de Héroes Del Silencio, que rescatan para la ocasión, nunca han sido santos de mi devoción Bumbury y compañía, pero esta versión me parece bastante fresca y currada. Básicamente esto es lo que nos ofrecen Uzzhuaia, frescura y energía, y además mejorando entrega tras entrega y mostrándose como una de las formaciones con mejor proyección del panorama nacional. Yo que tú no les perdería de vista.

Mariano Palomo

WINGER “IV”

(Frontiers / Mastertrax)

Tras un letargo de casi 13 años, Kip Winger y Reb Beach vuelven a unir sus fuerzas junto a Rod Morgenstein para resucitar una de las formaciones de hard rock más exitosas de los años 80. Winger destacaron sin duda por una calidad instrumental deslumbrante, a pesar de mostrar sin tapujos una imagen de vulgar hair band, que les sentenció a muerte cuando el grunge se apoderó de la industria discográfica. Y aunque Winger deberían haber regresado retomando el pulso musical justo en el mismo punto donde lo dejaron (esto es, como si acabaran de editar una lógica continuación de "Pull"), los seguidores del grupo no encontrarán de seguro en este álbum lo que de ellos ansiaban. Y me explico: mientras que casi la mitad de temas del disco encajarían sin problemas en una hipotética segunda parte del mencionado "Pull", la otra mitad son cortes correosos y difíciles de asimilar. A menos, eso sí, que tengas la oreja habituada a otras músicas más progresivas (vease Genesis o King Crimson). Y a los hechos me remito. Cortes ágiles y frescos como “Four Leaf Clover”, “Your Great Escape” o “Livin' Just To Die” recuerdan con agrado las primeras obras de la banda estadounidense; y “On A Day Like Today” supone un gustoso medio-tiempo, que destaca por su cálida belleza formal. Pero el otro lado de la balanza, esto es el contrapunto de espesura y siniestralidad, lo ponen temas como “Blue Suede Shoes” (nada que ver con el RnR de Carl Perkins), “M16” (aberrante, a lo Audioslave) o la interminable “Generica”. Aunque eso sí, Kip Winger sigue cantando de lujo, Reb Beach no ha perdido un ápice de técnica, y Rod Morgenstein lleva un ritmo implacable. Además, la producción es bastante acertada combinando el espíritu ochentero con los sonidos más actuales. En resumen, podríamos calificar este disco como de bienintencionado y arriesgado, pero falto de la esencia y la impronta de maravillosos álbumes suyos como “In The Heart Of The Young”. Esperemos que en sus próximas visitas a nuestro país, les de por tocar sólo los temas “buenos” de este "IV".

Rafa Carrillo

NACHO MUR “Personal Myth”

www.nachomur.com

Buena calidad la de la demo de este nuevo “guitar hero” madrileño. Salvo colaboraciones al bajo en alguno de los temas, él se lo curra absolutamente todo: teclados, programación, producción, mezclas... y por supuesto las guitarras, claro. Todo, excepto la voz, que, como es habitual en este tipo de trabajos, brilla por su ausencia, y es sin duda el mayor obstáculo desde el punto de vista comercial. El disco lo componen cinco cortes, aunque en realidad canciones son cuatro, porque el primero, “Past Secrets” es una intro bastante cortita. Como he dicho un poco más arriba, el producto no es apto para el público masivo, al menos en mi opinión, lo que no quita que sea muy bueno. Los amantes de los alardes de guitarra y los desarrollos instrumentales no deben dejar pasarlo. Quizá la mejor sea “Keep On Dreaming”, no te cansas de escucharla una y otra vez, y ya es raro que yo diga eso con lo que me cuesta tragar los temas instrumentales. “Maktub” también resulta marchosa, por el contrario, “Prophecies And Visions” es la más pausada. “You Will Win” es la que más rara me resulta, pero sólo es cuestión de gustos. Quizá la única pega que se me ocurre al conjunto es la semejanza en muchos aspectos a la obra de Jorge Salán, incluso la presentación es muy parecida. Quizá aún sea pronto para tener una banda con un nivel de éxito como el de Mägo De Öz, pero por lo menos Nacho Mur ya es miembro de Sweet Little Sister. Por algo se empieza.

Nacho Jordán

SWEET LITTLE SISTER “Livin´Rockin´”

(ExpoRockMusic)

Con cierto retraso desde su puesta a la venta llega a nuestras manos el CD de debut de esta banda procedente de tierras valencianas, compuesta por cuatro chicas (voz, bajo, batería y teclados) y dos chicos a las guitarras. La formación que grabó el disco no es la misma que actualmente funciona en directo, pues ha habido cambios en guitarra y teclas, pero curiosamente la distribución por sexos ha seguido siendo la misma. Meras coincidencias, suponemos. En cuanto a su música, es rock and roll de lo más simple, tal vez incluso demasiado simple. Las canciones en general resultan algo pegadizas, tremendamente cortas (alguna no llega a los tres minutos), y más bien pobres. Sin embargo, son muy apropiadas para el directo. Encuentro su estilo más próximo al punk ramoniano que al verdadero heavy metal. Al utilizar el inglés, disimulan lo esquemático de las letras. Si te molestas en mirarlas ves que pueden resultar hasta ridículas, me da la impresión de que su nivel de conocimiento de este idioma es bastante limitado. Tampoco el sonido me acaba de convencer, parece de maqueta, y los coros apenas están trabajados. Con sólo ocho cortes y de duración tan breve, el disco no llega ni a la media hora. Al acabar dices ¿esto es todo? Supongo que para compensar han metido los tres vídeo-clips, que tampoco son ningún alarde técnico, todo hay que decirlo. Lo curioso del asunto es que el redondo se deja escuchar bien. Tienen muchas carencias, pero apuntan maneras. Por lo pronto podemos decir que, en vivo, que es donde realmente importa, el grupo suena muchísimo mejor y funciona a la perfección. Quizá la grabación no ha sabido plasmarles adecuadamente, les pasa a muchos. Supongo que en las próximas entregas la cosa irá mejorando.

Nacho Jordán

STORMWARRIOR “At Foreign Shores – Live In Japan”

(Remedy Records / Goi Music)

Después de tres discos en estudio, estos jóvenes metaleros alemanes nos sorprenden con este directo grabado el pasado año 2005 durante su gira por Japón en la que presentaban su tercer álbum “Heavy Metal Fire”, según parece con el éxito y repercusión suficientes como para embarcarse en tan arriesgada empresa. Y el resultado es un potente y competente conjunto de temas de puro heavy-speed metal a la vieja usanza, recordando tiempos mejores de bandas como Helloween, Running Wild o los mismísimos Maiden. Temas en los que la velocidad de ejecución de los mismos no está reñida con su precisión técnica, y en los que sin sobresalir ninguno de los componentes de la banda por nada en particular sí son capaces de conformar un sonido muy sólido y perfectamente asequible al oído del escuchante. Desde “Signe Of The Warlode”, tras la intro instrumental “And The Northewinde Bloweth”, ya vemos por donde van los tiros de este disco, y la mente se va de forma automática a esa auténtica piedra filosofal del heavy metal europeo que sigue siendo “Walls Of Jericho” injustamente eclipsada después por los no menos buenos “Keeper”. La historia continua potentemente con la más melódica e hímnica “Heavy Metal Fire” perfecta para su ejecución en directo con la participación del público nipón acompañando la voz de Lars Ramcke, (alias Thunder Axe) que muestra su innegable debilidad por Kai Hansen. Sin tregua siguen descargando uno tras otros su trallazos, “The Axewielder” clásica donde las haya, la rápida y directa “Valhalla” donde el doble bombo impone su ley con un frenético ritmo, “Odinn’s Warriors” donde los guitarristas Scott Bölter (Scythewielder) y el recién llegado Alex Guth (Firebolt) brillan doblándose al más puro estilo Maiden. Encaran el final con “Thunderer” algo más pesada, con la cabalgante “To Foreign Shores” más a lo Running Wild, y cierran definitivamente con la extensa “Lindisfame” que da un mínimo respiro en su comienzo pero que luego vuelve a acelerarse, y con la speedica “Iron Prayers” que rescatan de su primer trabajo homónimo. Todo esto completa tres cuartos de hora de buen metal, sin excesivas florituras, y que agradará a los que echen de menos el sonido añejo de las bandas mencionadas. Más que correcto.

Mariano Palomo

FALCONER “Northwind”

(Metal Balde / Mastertrax)

Quinta entrega y vuelta a los orígenes de Falconer. Este combo sueco convertido por algunos en grupo de culto, tiran hacia sus raíces incorporando de nuevo a sus sonido elementos propios del folk autóctono de su país, y sobre todo recuperando a su vocalista Mathias Blad que desapareció del grupo tras una errática gira de presentación de su segundo trabajo. Todos estos elementos dan como resultado un correcto disco de folk metal, en la línea de gente como Skyclad, y en la que Blad suena como una especie de la de Ian Anderson más heavy, jugando con las guitarras más contundentes de Stefan Weinerhall (que también se encarga de los teclados) y Jimmy Hedlund y los instrumentos más característicos del folk como flautas, guitarras acústicas e incluso el clavicordio. Por el contrario la base queda más apagada, y la presencia del bajista Magnus Linhardt y del batería Karsten Larsson, son menos destacadas cumpliendo con su labor pero sin grandes momentos de brillantez. El desarrollo de los temas es un tanto irregular, con un nivel medio bastante correcto, y con puntos más destacados como la inicial “Northwind” que además de bautizar al trabajo es de las más animadas y dinámicas, al igual que “Sprit Of The Hawk” con una buena mezcla de ritmo acelerado y ambiente épico. También destacable, pero por todo lo contrario, “Long Gone By” una bonita balada en la que relajan el tempo del disco mezclando guitarras eléctricas y acústicas con un buen solo incluido, al igual que la final “Black Tarn”. “Fairyland And Fanfare” tiene un buen ritmo y está salpicada de buenos elementos folkies destacando la flauta. La curiosidad viene con “Himmel Sa Trind”, que me da la impresión que es una canción tradicional sueca, cantada en la lengua escandinava y que puede ser un buen aperitivo para los que se hagan con la primera tirada limitada de este trabajo que aparecerá en formato doble con un segundo CD compuesto por cuatro piezas de estas características. El resto, pues bueno, no está mal pero puede acabar haciéndose un poco pesado y quizá se pierden un poco entre los catorce temas del disco que pueden ser demasiados. En cualquier caso, un disco con momentos y elementos interesantes, pero sin excesivos aspavientos y un poco plano.

Mariano Palomo

SARACEN “Vox In Excelso”

(Escape Music / Goi Music)

Tras su reentré en la actualidad musical el pasado 2003 con "Red Sky", los británicos Saracen vuelven con una nueva y gran obra bajo el brazo. Bajo el título de “Vox In Excelso” he descubierto a esta banda que surgió a principios de los 80’s y que se perdió entre la multitud de artistas que surgieron dentro de la prolífica New Wave Of British Heavy Metal. Con apenas dos trabajos en aquellos primeros años, su vuelta en este siglo XXI me parece de lo más destacado que ha acontecido dentro del cada vez más frecuente renacimiento de formaciones ochenteras. Centrándonos en este último trabajo, decir que se trata de una historia conceptual sobre los Templarios, con un claro hilo argumental en el que incluso una voz femenina introduce brevemente cada uno de los temas. Abren con “Lament” y empiezan a mostrar sus cartas con claridad, buenos teclados y guitarras muy melódicas, jugando sobre una correcta base rítmica. Tras esta primera andanada instrumental que no será la última con la inclusión posterior de la preciosa “Militum Christi”, entra en escena la voz de Steve Bettney, elegante y personal siempre bien acompañada por los coros del bajista Richard Bendelow, y dando vida a uno de los cortes más destacados del disco “Meet Me At Midnight” con cierto regusto Uriah Heep / Praying Mantis, como casi toda la obra. Otro claro ejemplo de este sonido es “Mary” más lenta, con buen trabajo acústico y dedicada a la figura de María Magdalena, una de las grandes protagonistas de la historia. En “Exile” incorporan más sonido de teclados a lo Asia y también las guitarras acústicas de Rob Bendelow ocupan un lugar destacado, mientras que en “The Order” se aceleran para completar el tema más heavy del disco, pero sin abandonar el fantástico sonido de teclados que domina todo el trabajo a cargo del líder Paul Bradder. El ambiente monacal de la orden del Temple marca “Vive Dieu... Saint Amour”, con unos coros sobre la voz de la narradora Meg Fairlie creando una atmósfera de misterio bastante lograda. Tras la calma vuelve la vena más rockera del grupo con “The Power And The Glory”, corte de ritmo alegre marcado por el batería invitado Mark Cross y donde todos los instrumentistas vuelven a mostrar su calidad. Algo que continua con la extensa “Chain Reaction” donde se explayan, aunque resulta un poco pesada al final con los riffs menos claros del disco. Nuevamente pausa para “Vox In Excelso” donde Steve Bettney hace una gran interpretación vocal acompañado por un precioso piano, y con un aire al Gary Barden más melódico de Statetrooper. Siguen la línea tranquila aunque más pesada con “Where Was Their God” donde destaca el buenísimo solo de guitarra a cargo de Rob Bendelow, dentro de un tema quizá demasiado largo, al igual que la más épica “Priory Of Zion” que pone punto final marcando el ritmo a golpe de pomposas teclas en su comienzo, para cambiar de ritmo en varias ocasiones y con unos buenos coros en sus partes medias, y sin olvidar una vez más el muy buen sonido de guitarra. Dice el refrán que “nunca es tarde si la dicha es buena”, y creo que con Saracen se puede aplicar perfectamente, ojalá sigan confeccionando trabajos tan buenos como este en el futuro. Muy recomendable para seguidores del rock melódico-sinfónico británico y en especial de Uriah Heep.

Mariano Palomo

MAD MAX “In White”

(AOR Heaven / Goi Music)

Curiosa y distinta entrega la que lanzan en estos días los germanos Mad Max. Bajo el título de “In White” el cuarteto deja a un lado su faceta más rockera, y transforman su sonido en totalmente acústico dando un giro bastante alejado de lo que nos tenían acostumbrados. Un disco con media docena de cortes que dentro de una temática cristiana, nos ofrecen un buen rato de música relajada y en el que la energía deja paso a la calidad vocal de Michael Voss bien acompañado por los coros de y las guitarras y bajo acústicos de Jürgen Breforth y Roland Bergmann respectivamente, y por la suave percusión en segundo plano de Axel Kruse, además de el protagonismo del piano junto a Voss en la más lenta y emotiva de todas “Bad Day In Heaven”. Además de este recuperan otro tema reciente que también aparecía en “Night Of White Rock” su último disco estándar en estudio, la inicial “To Hell And Back Again” que muy poco tiene que ver con la original y tirando de percusiones para completar uno de los cortes más movidos de este EP. Más atrás se van para revisar “Lonely Is The Hunter”, que apareciera en su álbum “Stormchild” hace ya más de dos décadas, y que les queda bastante bien en esta nueva versión. Otra casi totalmente desconocida por aquí “Open The Eyes Of My Heart”, parece que ha tenido bastante éxito en Estados Unidos y tiene un sonido más moderno y me recuerda bastante a lo que hicieron sus paisanos Bonfire en su penúltimo disco “Free”. La novedad total viene de la mano de “Hello Father” en el que además de por la temática cristiana que marca las letras del disco, el sonido sobre todo en las voces tienen cierto aire a los Stryper más tranquilos. Un breve “Reprise” final instrumental cierra un disco tranquilo, fácil de escuchar, y con la duración adecuada para no cansar ni aburrir. El que quiera pegar botes o romperse el cuello que se olvide de él.

Mariano Palomo

HAMMERFALL “Threshold”

(Nuclear Blast / Mastertrax)

“Threshold” supone ya nada menos que la séptima entrega en estudio de una de las formaciones más reconocidas y significadas dentro del metal melódico europeo. Y es que los suecos una vez más siguen aprovechando y explotando como nadie sus mejores virtudes, facilidad de llegada al oyente con composiciones sencillas y fácilmente digeribles, buen sonido y composición, además de una compensada mezcla de potencia y calidad instrumental sin olvidar en ningún momento la melodía. Por el contrario los detractores de la banda sueca podrán esgrimir una vez más los argumentos habituales cada vez que sacan nuevo trabajo, falta de originalidad, no descubre nada nuevo y se repiten una vez más. Bueno, cualquiera de los argumentos, tanto a favor como en contra son perfectamente aplicables a este disco, luego cada uno que saque sus propias conclusiones, yo prefiero quedarme en un término medio. Sin dejar de reconocer el buen hacer del grupo, sobre todo del vocalista Joacim Cans que siempre me ha parecido bastante notable, y del sonido de guitarras de Stefan Elmgren y Oscar Dronjak que aportan interesante melodías a lo largo de toda la obra, dando forma a temas bastante buenos como la inicial que da título, la más épica y coral “The Fire Burns Forever” o la más hard rockera “Natural High”, también es cierto que parece que este disco ya lo hemos escuchado antes, y que hay otros cortes que bajan el nivel del trabajo, caso de “Rebel Inside” que se me hace muy monótona, al igual que la más contundentes “Shadow Empire” o “Genocide” que adolecen de falta de brillo a pesar de su mayor energía, y de la más pesadas “Titan” con ciertas reminiscencias de sus admirados Accept y la más extensa “Craved In Stone” con un inicio de voces monacales excesivamente largo. Entre medias una correcta balada como “Dark Wings, Dark Words”, la directa “Howlin’ With The ‘Pac” marca de la casa o la dinámica instrumental “Reign Of The Hammer” donde se lucen los hachas del grupo. Como podéis comprobar un disco más de Hammerfall, sin grandes novedades, ni para bien ni para mal, y que seguirá gustando a sus fieles, aunque ya hace tiempo que han perdido el factor sorpresa.

Mariano Palomo

DIONYSUS “Fairytales And Reality”

(AFM / Avispa)

Ya nos llamó la atención con sus dos primeras obras esta joven formación sueca, y con este nuevo trabajo confirman su buena progresión musical. Sin inventar nada nuevo, sí son capaces de ofrecernos un puñado de buenas composiciones de metal melódico bien construido y ejecutado. Se dejan ver las influencias y ayudas que han tenido en el pasado, sobre todo la del gran Tobi Sammet (Edguy), ya que hay temas que recuerdan bastante a años anteriores de la banda del menudo genio alemán. Este el caso de las iniciales “Illusion Of Life” de brillante desarrollo sobre todo con unos coros magníficos, o “The Orb” con muy buen trabajo de guitarras de Johnny Ohlin que no es ningún correcaminos pero si muestra un buen nivel; por el mismo camino se mueve “The Game” que es otra de las más interesantes. Además las mencionadas guitarras junto a los teclados de Kaspar Dahlqvist forman unas melodías muy interesantes, quedando patentes en todo el disco, sobre todo en algunos pasajes de cortes como “Tides Will Turn” y más aun en “Blinded” donde el sonido más sinfónico a lo Royal Hunt queda patente. Las partes más cañeras, sin dejar de lado la melodía, vienen de la mano de “The World” dinámica y pegadiza con reminiscencias de sus paisanos Hammerfall con los que también han colaborado. “Dreamchaser” y “True At Heart” tienen unos tintes más épicos donde los coros vuelven a estar en todo lo alto sobre todo en la segunda, mientras que algo más tranquila resulta “Spirit” en la que brilla la buena voz de Olaf Hayer, que ya demostró su valía junto al italiano Luca Turilli además de en los discos anteriores de Dionysus. Para el final dejan la más extensa del trabajo “The End”, en la que muestran su capacidad instrumental todos los miembros del quinteto escandinavo, con cambios de ritmo y resumiendo prácticamente todo lo que nos encontramos en este disco ya expuesto anteriormente. Un buen álbum de este grupo que, como ponen ahora en las notas del colegio, Progresa Adecuadamente.

Mariano Palomo

GPS “Window To The Soul”

(Inside Out / Mastertrax)

Cuando parecía que la magia de Asia estaba a punto de agotarse (sobre todo con la marcha de John Wetton), resurgió la figura, allá por 1992, de un fantástico músico y vocalista, John Payne, que revitalizó la banda. Publicaron grandes discos, como “Aqua” (inmenso), “Arena”, “Aura”... hasta llegar a su último trabajo juntos, “Silent Nation” (2004). Ahora que Downes y Wetton cabalgan juntos con su proyecto Icon, John Payne no se duerme en los laureles. Acaba de formar una portentosa banda de rock progresivo/sinfónico llamada GPS. Sus miembros son John Payne (voz y bajo), Guthrie Govan (guitarras), Jay Schellen (batería) y el teclista de Spock´s Beard Ryo Okumoto. Musicalmente, este “Window To The Soul” es un disco magnífico, lleno de calidad y talento, que gustará por igual a los incondicionales de Asia como a los amantes del rock prog sinfónico. Para mí, es la perfecta continuación de la época de Asia comprendida entre el “Arena” y el “Aura” (justo cuando Payne tuvo más protagonismo), con marcados matices progresivos. El disco abre con la magnífica “Window To The Soul”, cautivadora pieza que seduce al oyente. Seguimos con “New Jerusalem”, de inicio místico, una canción entre Asia y los Magnum del “Brand New Morning”, fantástica y donde Ryo Okumoto está enorme con grandes sintetizadores y profundos arreglos de cuerda. La intensa y melódica “Writen On The Wind” ofrece buenas guitarras y un delicioso piano. A lo largo de todo el disco, John Payne está espléndido en tareas vocales (escúchale en “Heaven can Wait”, por ejemplo). La mayoría de los temas se mueven en metrajes largos, que no excesivos, dada la calidad compositiva de los mismos. Canciones de altísimo nivel melódico como “I Believe In Yesterday” o “All My Life” son muy apreciadas. Finalmente, los dos últimos temas del disco, “Since You´ve Been Gone” y “Taken Dreams” son más cortos y un poquito más comerciales, pero llenos de calidad, más en la línea de hard melódico, con el órgano hammond de Okumoto, las guitaras de Govan y la voz apasionada de Payne a pleno rendimiento. Con una portada más que interesante (con el gurú y afamado productor John Kalodner enchufado al televisor) y una producción soberbia, este “Window To The Soul” está llamado a convertirse en uno de los mejores trabajos del año. Sobresaliente.

Jesús “Nono” García

TY TABOR “Rock Garden”

(Inside Out / Mastertrax)

Alejado del sonido de los grupos franquicia que le han hecho famoso (King’s X, Platypus, Jughead) aparece el tercer trabajo del guitarrista y compositor Ty Tabor, titulado genéricamente “Rock Garden”. Después de su sorprendente ópera prima en solitario (“Moonflower Lane”, 1998), Tabor nos ofrece un disco tan variado y ecléctico como éste. Quizás este “Rock Garden” sea más regresivo, con un rock más tradicional y un power pop, con matices cercanos al nu breed, que incluye guiños a sus héroes de siempre. Este “Rock Garden” se mueve desde temas contundentes, con profundos y variados riffs de guitarra, como “Ride”, “Stalker” o “Take It Back”, a cortes en una línea más power pop, como “I Know What I´m Missing” o la edulcorada “Beautiful Sky”. Personalmente, me recuerda bastante a su disco en solitario del 2002, “Safety”. En todas las canciones se aprecia el esfuerzo compositivo y vocal de Ty Tabor, que cumple como cantante. Las letras son otra faceta a tener en cuenta: tienen su porqué, dicen y cuentan algo. Este trabajo de Ty Tabor me recuerda bastante a los últimos discos en solitario de Paul Gilbert (sin llegar al talento guitarrero de éste) o por ejemplo al “Get Up” de Ritchie Kotzen. Simplemente, guitarristas que buscan otros sonidos y otros horizontes musicales diferentes.

Jesús “Nono” García

ADAGIO “Dominate”

(Locomotive Records)

Nueva entrega del proyecto del notable guitarrista francés Stephan Forté. Un músico que pasa por ser uno de los más reconocidos en su país, y que desde hace unos años se embarcó en una aventura a la bautizó como Adagio. Desde su primera obra “Sanctus Ignis” de hace ya un lustro, pasando por “Underworld” y hasta el día de hoy, se han producido un buen número de cambios en la formación de la banda, y para este “Dominate” se han hecho más palpables en cuanto al sonido del grupo. Manteniendo aun una base de virtuosismo guitarrero, con aires neoclásicos y barrocos (cada vez menos), pero incorporando un plus de dureza y oscuridad, todo ello con un sonido compacto y bien encajado en cada una de las piezas de este último disco. Lo que más llama la atención es la entrada en la banda del vocalista brasileño Gus Monsanto, un hombre con unos registros vocales que por momentos recuerdan a los de André Matos (ex Angra, Shaman) y que van como anillo al dedo a muchos de los pasajes musicales de la obra. Por otra parte el contrapunto oscuro también está bastante presente con voces guturales y sonidos más apagados, sobre todo en algunas partes de la inicial que titula el disco “Dominate” o en la más enrevesada y compleja, pero en cualquier caso brillante “Children Of The Black Lake”, algo que también ocurre con la más extensa aun “R’Lyeh The Dead” en la que los sonidos guturales toman más protagonismo, pero sin eclipsar el gran trabajo instrumental del resto. El sonido Angra está más presente en cortes como “Fire Forever” o “Terror Jungle”, donde más brilla la voz de Gus y con unos buenos momentos de metal melódico con tintes épicos. Más o menos a medio camino quedaría “The Darkitecht”, con un ambiente tétrico creado por la combinación de teclados y arreglos góticos, pero con voces nítidas dentro de un interesante corte de aires melancólicos que roza el medio tiempo, aunque se acelera al final con un destacado Forté a las seis cuerdas. La parte más íntima y tranquila viene de la mano de “Kissing The Crow”, un tema en el que voz y piano crean una bonita ambientación junto con unos cuidados arreglos de cuerda en sus dos minutos y medio de duración. Para el final dejan el corte curioso de esta entrega, una versión muy heavy y acelerada de la archiconocida “Fame”, sintonía de la serie de televisión americana y germen de muchos de los programas y series actuales de “academia” quedándoles bastante lograda e interesante. Una buena colección de cortes en definitiva, y una nueva vuelta de tuerca en la trayectoria de este instrumentista galo y su banda.

Mariano Palomo

DARK AT DAWN “Dark At Dawn”

(AFM / Avispa)

Quinta obra del power trío germano, sucesor de “Of Decay And Desire” primero que publicaron para su actual sello hace ya tres años. Siguiendo la misma línea que en este, Buddy Kohlrausch (voz), Torsten Sauerbrey (guitarra, batería y teclados) y Michael Lown (bajo), vuelven a ofrecernos una colección de temas basados en el power metal más clásico, pero con cierto aire oscuro y moderno en algunos de sus pasajes. Podríamos decir que son una especie de Rage actualizados, pero aun a una gran distancia en cuanto a calidad y clase de los de Peavy. Desde luego la voz de Buddy tiene bastante que mejorar, potente, pero sin apenas matices; las guitarras de Torsten Sauerbrey son bastante correctas y tienen algunos momentos de brillantez como en el single “The Alliance” que recuerda a los propios Running Wild, pero en otras fases suenan demasiado saturas y pesadas. En cuanto a la base es fuerte y contundente, con la labor del propio Torsten y del bajista Lown, aunque de repente en algunas partes del disco encontramos arreglos de batería sintetizada que le restan frescura y naturalidad a la grabación. Los temas son bastante parecidos, con recuerdos a los citados Rage en el corte que da nombre al grupo y al disco y en la más melódica “Roses Of Light”, mejor que “Road To Eternity” y “Glorious Duty” que se hacen demasiado oscuras y pesadas. Algo más dinámicos en “The Ones With Fiery Eyes”, y más épicos en “Fearless” con un ritmo más alegre, y en “Avalon” con buenos arreglos de telcados. Aunque donde más se notan los arreglos es en la pausada “The Passage” que crea un ambiente tétrico realmente resaltable. Un disco correcto, con buenos instrumentistas, pero que en algunos momentos resulta un tanto espeso por lo oscuro y pesado de sus composiciones.

Mariano Palomo

WICKED WISDOM “Wicked Wisdom”

(AFM / Avispa)

Desde Estados Unidos viene este quinteto con chica al frente, dispuestos a ganarse un sitio en el escaparate del Nu Metal. Y ciertamente por energía y mala leche no va a ser, pero por calidad compositiva a mi por lo menos no me han convencido demasiado. La voz femenina de Jada Pinkett es bastante peculiar, con un aire cercano al de los grupos llamados “alternativos” en temas insufribles y deshilachados como “Bleed Over Me” por citar uno o la más modernita aun “Forgiven”, y con una tendencia, por parte del resto de la banda de copiar a Rage Against The Machine en ocasiones como en “Yesterday Don’t Mean” o en “Don’t Hate Me” y en otras a Pantera, sobre todo por el sonido de guitarra de Pocket Honore y Cameron Graves, basta escuchar un corte como “One” que recuerda enormemente a la banda de Phil Anselmo. Más experimentales y casi inclasificables son “Set Me Free” o “You Can’t Handle”. En fin, como podéis comprobar el disco no me ha hecho demasiada gracia, por no decir ninguna, y queda para los más ávidos devoradores de sonidos nuevos y que estén dispuestos a sumergirse en el inescrutable sonido del nu metal más transgresivo y experimental, yo sinceramente no he podido con ellos. Lo siento pero habéis ido a dar con un tío muy clásico, menos más que sólo dura algo más de media hora.

Mariano Palomo