JON OLIVA’S PAIN “Maniacal Renderings”

(AFM / Avispa)

Mientras seguimos esperando un regreso por todo lo alto de Savatage, por ahora tenemos que conformarnos con los proyectos paralelos de algunos de sus componentes, Circle II Cricle (Zak Stevens), Chris Caffery en solitario, o este que nos ocupa del alma de la banda americana Jon Oliva, y que por otra parte siempre ha sido el que más me ha llamado la atención de los tres. Y con esta segunda entrega lo reafirma una vez más, y con creces. Gran disco el que se ha marcado Mr. Oliva, recuperando en muchas fases la teatralidad y dramatismo que plasmaba como nadie en la mejor época de Savatage, y además manteniendo la misma formación que le acompañó brillantemente en su debut “Tage Mahal” hace casi dos años, con la interesante incorporación del ex guitarrista de Millenium y Teer Shane French que se ha acoplado perfectamente a la estructura de la banda dejando muestras de su calidad. Los temas abarcan un amplio abanico de sonidos y sensaciones; el ya citado espíritu Savatage de la primera época queda más que patente en la buenísima inicial “Through The Eyes Of The King” y en “The Evil Beside You” más teatral con reminiscencias “Gutter Ballet” en la que se cruzan sonidos de piano de Oliva y John Zahner con afilados solos de guitarra de French y de Matt LaPorte contrastando con sonidos acústicos. Siguen en la línea de intensidad durante el desarrollo del disco, con cortes potentes y épicos como el que da título a la obra con destacada labor del teclado, todo lo contrario que la más contundente y oscura “Time To Die” con riffs asesinos a lo Zakk Wilde, y en la más acelerada con reminiscencias Annihilator primera época “Push It To The Limit” donde destaca la buena pegada del batería Christopher Kinder que completa una competente base rítmica junto al bajista Kevin Rothney. A partir de la mitad del disco con “Playing God”, Oliva y compañía se sumergen en terrenos más experimentales, tirando de épica operística en el citado corte donde los coros toman un claro protagonismo, dentro de buenos cambios de ritmo marcados por unas grandes guitarras; se relajan en el inicio de “Timeless Fight” recordando a los Queen de los inicios con un piano magnífico junto a unas voces más agudas y menos desgarradas que contrastan con los mejores solos de guitarra del disco, y que se acelera al final pero sin salirse de madre. La recta final del trabajo no abandona esta onda y le da mayor brillo a una guitarra acústica que no para de sonar en los tres últimos cortes, en la más espesa, dramática y oscura “Holes” apenas está de fondo, en la más experimental y sugerente de ecos Pink Floydianos “End Times” ya toma mayor protagonismo y juega brillantemente con unos preciosos solos de French y LaPorte, una vez más, dentro del corte más extenso del disco, que se cierra con “Pray For You Now” ya totalmente acústica, acompañada de piano y de una voz que desde luego no parece la de Jon Oliva pero que no aparece en los créditos y que acaba redondeando un disco muy interesante y para escuchar sin ningún tipo de prisas ni perjuicios. Grande Oliva.

Mariano Palomo

CELLADOR “Enter Deception”

(Metal Blade / Mastertrax)

“Enter Deception” supone el debut discográfico de esta joven formación norteamericana, concretamente de Nebraska, y que curiosamente nos ofrece tres cuartos de hora de power metal al más puro estilo centroeuropeo. Más rápidos que efectivos, más agresivos que técnicos y más melódicos que oscuros, podríamos definir los ocho cortes que componen el trabajo, con una voz como la de Michael Gremio que toma el protagonismo en la mayoría de los temas, cumpliendo con registros melódicos y bien trabajados, aunque no excesivamente poderosos en su fuerza e intensidad; una faceta esta de la intensidad y la calidad que corre por cuenta en mayor medida de los guitarristas Chris Petersen y Bill Hudson, que se doblan continuamente y corren sin parar por sus mástiles, lo malo es que el bajo del ruso Valentin Rakhmanov y la batería de David Dahir intentan ponerse a su velocidad y lo único que logran en muchas ocasiones es correr como pollos sin cabeza, que diría el ínclito JB, con un ritmo demasiado atropellado y embarullado con el doble bombo machacón que apenas varían en la más extensa del trabajo “Seen Through Time” y en partes de la final “No Chances Lost” de inspiración bélica. Por lo demás el resto muy, muy parecido, quitando los coros de esta última pieza mencionada y de la más épica y melódica a lo Freedom Call / Helloween “Never Again”, y la mala leche y agresividad más directa de la inicial “A Sign Far Beyond”, se hace bastante monótono y falto de brillo e ideas. En fin, un disco más que se maquilla un poco por su buen sonido, y al que le otorgamos el beneficio de la duda por la bisoñez de sus componentes, que esperemos crezcan en cuanto a creatividad y variedad en siguientes entregas.

Mariano Palomo

TEN “The Twilight Chronicles”

(Frontiers / Mastertrax)

Anquilosados en un presente más que incierto pero con un memorable pasado a sus espaldas, los Ten ahora más que nunca de Gary Hughes vuelven con una nueva obra que, pese a una portada de lo más lúgubre y tenebrosa, supone una clara continuación de su anterior “Return To Evermore”. Esto es, buenas melodías combinadas con las dosis justas de dureza, pero lastrado por el excesivo minutaje de los temas y sobre todo una producción indigna de su enorme categoría. Aunque las soluciones a tales males son bien sencillas, que Hughes se deje aconsejar por un buen productor (se me ocurre Keith Olsen), que le remarque la necesidad de recortar en al menos 2 minutos cada tema y sobre todo, dar un sonido a Ten como el de los dos primeros discos. Pero vamos ahora con el contenido del álbum, que sin duda es lo que más nos interesa a todos los seguidores del grupo. Este “The Twilight Chronicles” despega con un dilatado tema de más de 12 minutos, dividido en dos partes bien diferenciadas: “The Prologue”, una pomposa intro orquestada y muy aburrida que conecta con “Rome”, arquetípica canción de Ten en su máxima expresión. “The Chronicles” es un impecable temazo, muy directo y con buenas guitarras; que da paso a “The Elysian Fields”, muy tranqui y de altísima calidad. “Hallowed Ground” tiene las virtudes y los defectos de Ten que os comentaba anteriormente, por lo que a pesar de sus indudables cualidades acaba resultando muy monótona. Mientras que “This Heart Goes On” es una baladita muy coqueta y de corta duración (menos mal…), que perfectamente podría englobarse entre lo más comercial que Hughes haya compuesto durante su trayectoria. “Oblivion” es un medio-tiempo muy alegre y fresquito, aunque bastante soso e insustancial, por lo que peca de frívolo en un disco de “supuesta” intensidad melodramática. Ahora llega un ¿homenaje?, ¿pseudo-plagio? de la magnífica “Black Masquerade” del “Stranger in Us All” de Rainbow, ya que “The Twilight Masquerade” es una vil adaptación de dicho tema (aunque posea un gran trabajo del teclista Paul Hodson). “Tourniquet” es un exquisito medio-tiempo con aires a lo Whitesnake y, aunque “Born To The Grave” tenga buena melodía, manifiesta la deficiente producción que caracteriza todo el trabajo. Dejo para el final el mejor tema del disco, con diferencia, la excepcional “When The Night Is Done” / “Epilogue”. Otro corte a lo Whitesnake, que literalmente te deja deslumbrado. En resumen más de lo mismo, aunque eso no quiera decir nada malo. Simplemente Hughes debe desentumecer su cabeza y ofrecer productos acordes con su sensacional legado musical. Mejorable… aunque muy bueno.

Rafa Carrillo

SLAMER “Nowhere Land”

(Frontiers / Mastertrax)

Los favores entre amigos se devuelven. Todos recordamos el proyecto encabezado por Billy Greer (Kansas) llamado Seventh Key. Pues bien, el guitarrista que le acompaña, Mike Slamer, nos propone el suyo: Slamer, y se acompaña del propio Billy Greer y del gran Terry Brock (Strangeways, The Sign) como vocalista. El guitarrista británico afincado en Estados Unidos Mike Slamer se dio a conocer al público de rock melódico a principios de los 80 con un grupo de culto llamado Streets. Por aquel entonces, conoció a Steve Walsh y Billy Greer (componentes de Kansas). Además, empezó a colaborar, tanto como guitarrista como compositor, para artistas como Fiona, Michael Sweet (Stryper) o James Christian. Recordamos sus participaciones en discos de culto como “Demons Down” (House of Lords), “Cherry Pie” (Warrant) o “Double Eclipse” (Hardline). En los 90, tocó la guitarra, compuso y produjo los discos de una fantástica banda llamada Steelhouse Lane. Ahora, además de formar parte del proyecto Seventh Key, nos sorprende con Slamer. Este “Nowhere Land” es un álbum introspectivo, personal y lleno de calidad de un grande llamado Mike Slamer. Por momentos, el disco nos recuerda a los Kansas del “Power” ("Strengh to Carry on"), a los mejores Steelhouse Lane ("Higher Ground") o a The Sign ("Runaway"). Las composiciones están cargadas de talento, de buenos riffs de guitarra y profundas melodías. El disco se inicia con una intro atmosférica que da paso a la absorbente “Nowhere Land”. Sigue con “Strengh to Carry on” (a lo Kansas), para continuar después con la pegadiza y poderosa “Not in Love”. Seguimos. El cuarto corte, “Come To Me”, es un precioso medio tiempo, lleno de buenos coros, pero de excesivo metraje. “Higher Ground” es muy hard, igual que la fantástica “Audio Illusion”, muy en la onda Steelhouse Lane (atención al riff de esta última, impresionante). Dos canciones sobresalen del disco. La íntima y corística “Jaded”, y el hit single “Runaway”. Ambos temas son estupendos, y podrían ser una mezcla perfecta entre The Sign y Steelhouse Lane. Cierra el disco “Superstar”, un tema hard melódico lleno de calidad y cambios de ritmo. Buen trabajo este “Nowhere Land”, un disco personalísimo y lleno de talento de Mike Slamer. Quizás la portada y la producción sean sus puntos débiles, pero es un gran disco, que cada vez que lo escuchas, te gusta más y le encuentras matices diferentes.

Jesús “Nono” García

AVALON “The Richie Zito Project”

(Frontiers / Mastertrax)

Quizás muchos no conocen el impresionante curriculum musical de Richie Zito. Como guitarrista, ha tocado para grandes como Tina Turner, Diana Ross, Lionel Richie o Elton John. Como compositor, ha colaborado en bandas sonoras como Flashdance, Top Gun o El precio del poder. Canciones maravillosas como “When I See You Smile” (Bad English) o temas de Heart, White Lion, Mr.Big, Open Skyz o Tyketto llevan su firma. Por todo ello, no es de extrañar que una fantástica nómina de grandes vocalistas USA hayan participado en la vuelta de Richie Zito al escaparate musical. Su nuevo proyecto se llama Avalon. Según sus propias palabras: "Toco la guitarra, escribo los temas, produzco rock melódico con un grupo de amigos llenos de talento". Avalon no sólo rescata la figura de Richie Zito, sino que recupera para el rock melódico algún que otro cantante al que teníamos olvidado. El disco se abre con la pegadiza y directa “Blue Collar”, bien interpretada por el clon de Steve Perry: Mr. Hugo Valenti (Open Skyz). Seguimos con la apasionada “Is He Better Than Me”, donde Joe Lynn Turner vuelve a dar un curso de magisterio vocal. El tercer corte, “Nightmare”, es una de las canciones más roqueras del disco, y aunque no entra a la primera termina gustando, como la voz de Eddie Money. Después, el medio tiempo acompañado de piano “Oh Samantha” (Joseph Williams, ex Toto) atempera los ánimos. El siguiente tema, “Avalon”, es sin duda de los mejores del disco, confirmando la supremacía vocal de Danny Vaughn (Tyketto). Sin embargo, a partir del sexto corte el disco decae notablemente. Los temas se hacen más previsibles, incluso mediocres, les falta el brillo de las primeras canciones. Con todo, podemos recuperar a Eric Martin (Mr.Big) para la causa del rock melódico, sobre todo con “Life Got In The Way”, o confirmar a un vocalista que poco a poco se está haciendo un sitio entre los grandes, Philip Bardowell (Unruly Child), especialmente en el medio tiempo cargado de emoción "Good Things Take Time", sobresaliente. Del resto, Eddie Money está monótono en “I Put My Life In Your Hands” y Richie Kotzen participa sin éxito en la aburrida “Forever I Will”. Con todo, un disco a tener en cuenta por el talento como músico y como compositor de Richie Zito, y por los extraordinarios vocalistas que le acompañan.

Jesús “Nono” García

DAVY VAIN “In From Out Of Nowhere”

(Locomotive Records)

Davy Vain es, por estética y por personalidad, uno de los músicos más talentosos e influyentes de San Francisco. Un personaje atípico, diferente, a menudo provocador, un músico que no deja indiferente. Muchos le reconocen como líder, vocalista, guitarrista y compositor de su propio grupo: Vain. Con Vain practica un rock underground, visceral, crudo y poderoso. Ahora con su disco en solitario, “In From Out Of Nowhere”, sorprende al oyente por lo variado y ecléctico de las composiciones. Difícilmente podríamos encasillar este trabajo en un sólo estilo de música. Grabado en diferentes momentos y con distintos músicos (Jamie Scott, Ashley Mitchell, etc.) el peso recae en la figura de Davy Vain, que compone, arregla y produce todos los temas. Canciones que recuerdan a su propia banda, Vain (“Push Me Over”, “Yellow”), con ese rock entre garajero y sleaze, tan vigoroso como contundente. En otros, suaviza los ánimos hasta un pop eléctrico y psicodélico como en “Fly Again” o “Not Your Space Man”; matices indies para “Sugar Shack” o “Trinity” y recuerdos para su admirado Billy Idol con la melódica “Electric” y la personal “In Front Out Of Nowhere”, que da título al disco. Este trabajo se editó en el 2000 en EEUU, y por fin ahora, en el 2006, se publica en toda Europa.

Jesús “Nono” García

PAUL GILBERT “Get Out Of My Yard”

(Mascot Records / Mastertrax)

“Fuera de mi patio!!!” Con esa amenazante frase y una cara de pocos amigos, nos recibe en su terrenito musical el genial guitarrista y cantante Paul Gilbert (Racer X, Mr. Big). En esta ocasión mostrándonos su nueva cosecha de delirios instrumentales que supone otro goce para sus incondicionales seguidores (entre los cuales me incluyo je, je). No obstante, y a pesar de su inigualable técnica y originalidad en contenidos, bien es cierto que se echan en falta unas cuantas líneas vocales que ayuden a sobrellevar la marea de solos, riffs, etc., que Gilbert ha preparado como desahogo de su imparable y apabullante creatividad. Entre los 14 cortes del álbum encontramos instrumentales al uso como “The Curse Of Castle Dragon” (con un inconfundible aroma al más inspirado Joe Satriani); mientras que en “Marine Layer” hace brotar una hermosa melodía que da el contrapunto al funky marchoso de “Rusty Old Boat”. A destacar dos curiosos temas como son “The Echo Song” (con arreglos propios de unos Chemical Brothers) y la adaptación de la sinfonía nº 88 de Franz Haydn, en la que recuerda a un jovencísimo Mike Oldfield (óigase “In Dulce Jubilo”, por ejemplo). Dejo para el final el emotivo homenaje que hace a su ídolo Edward Van Halen en una virguería acústica propia de un as de las seis cuerdas, y en la que le desea una pronta recuperación de sus malos hábitos… Eso es lo que ha sembrado Paul Gilbert en su propio huerto, ideas musicales que han ido madurando durante esta temporada y que ahora tenemos la posibilidad de degustar como buenos comensales suyos que somos. Así que: Buen provecho!!!

Rafa Carrillo

LUNATICA “The Edge Of Infinity”

(Frontiers / Mastertrax)

Buen trabajo el realizado por la formación suiza Lunatica en esta su tercera entrega en estudio, sucesora de “Fables & Dreams” publicada hacer un par de años y con la que se dieron a conocer en el viejo contiente. Un disco correcto en su construcción y composición, con buenos detalles tanto instrumentales como vocales, y con el protagonismo por encima de todo de su vocalista Andrea Dätwyler, que con su preciosa voz domina el desarrollo del disco. Una voz la de Andrea recoge el lirismo y dulzura de Candice Night (Blackmore´s Night), con toques algo más épicos en la onda de Sabine Edelsbacher (Edenbridge). Una voz que sobresale notablemente y que hace aun más interesantes temas como, “The Edge Of Infinity” que abre y da título al disco tras una extensa intro con narración incluida, “Sons Of The Wind” con un alto contenido orquestal y sinfónico y donde se luce el teclista Alex Seiberl junto a los guitarristas Andre Leuenberger y Sandro D’Incau. No les van a la zaga en cuanto a competencia instrumental el batería de poderosa pegada Ronnie Wolf y el bajista Emilio Barrantes. Esta media docena de músicos consiguen crear momentos y ambientes interesantes, con una buena combinación de rock sinfónico, con base hard rockera y algunos toques épicos y modernos. Estos últimos tienen presencia sobre todo en temas como el interesante medio tiempo “Who You Are” que despliega intensidad en todo su recorrido, y en la menos afortunada “Out!” en la que insertan sonidos de teclados que recuerdan a gente como Evanescence. Vuelven a la vena más clásica con “Song For You” un buen corte de inspiración medieval. Siguen con “Together” en la que el vocalista de Asia John Payne acompaña con su voz a Andrea completando un interesante dueto dentro de un emotivo medio tiempo de marcada intensidad por parte de ambos. Payne no es el único vocalista que participa como invitado en este disco, también lo hace el gran Oliver Hartmann que pone su calidad en la extensa y más experimental “Emocean”, el tema que cierra y que repiten sin él a la voz, donde se explayan a gusto sobre buenos solos de guitarra y cambios de ritmo. Antes de esto un par de cortes menores en ritmo e intensidad, la balada algo sosa “The Power Of Love” en la que más recuerda la voz de Andrea a la de la Sra. de Blackmore, y “Words Unleashed” un corte más movido con los teclados marcando la pauta, pero sin acabar de explotar. Quizá ese sea uno de los pocos peros que se le pueda poner a este disco, que no acaba de explotar, no acaba de enganchar en su totalidad, pero sin duda ya ha mejorado a su predecesor y tiene muy buenos elementos y argumentos para llamar nuestra atención y abrirse un hueco en el panorama europeo. Interesante lanzamiento.

Mariano Palomo

SUNSTORM “Sunstorm”

(Frontiers / Mastertrax)

Nuevo proyecto en el que unen sus fuerzas dos de los individuos más trabajadores y competentes del hard rock mundial en la actualidad, el veterano vocalista americano Joe Lynn Turner (ex Rainbow, Deep Purple, Fandango, HTP, ... ¿quién no conoce al bueno de Joe a estas alturas?) y el polifacético instrumentista y productor alemán Dennis Ward (conocido principalmente por su trabajo desde hace un montón de años en Pink Cream 69, y más recientemente por su interminable nómina de producciones). Y el resultado, como era de esperar, ha sido de lo más satisfactorio, más teniendo en cuenta dentro de la docena de temas que aquí nos encontramos, algunos pertenecen a la primera época de Turner cuando publicó su maravilloso “Rescue You” y en otros pone su talento compositivo el gran Jim Peterik (Pride Of Lions, Survivor) cuando ambos compartieron trabajo creativo para Deep Purple en “Slaves & Masters”. Por lo tanto, tenemos lo mejor de la creatividad y clase del A.O.R. de los 80’s y la calidad y fuerza en la producción del genio Ward, dando lugar a un buenísimo disco que se aleja del sonido más hard rockero onda Rainbow que venía predominando en las últimas obras de Joe Lynn Turner y que se centra en el A.O.R. más clásico de su citada obra debut, donde las magníficas guitarras de Uwe Reitenauer (que ya participó en Place Vendome) comparten primeros planos con unos buenísimos teclados característicamente ochenteros a cargo de Jochen Weyer y del propio Dennis Ward, y por supuesto con la voz de Joe que está maravillosa una vez más. Se abre este trabajo con “Keep Tonight”, un tema perfecto para llamar nuestra atención, de los más guitarreros del mismo, pero también con los teclados sonando en todo lo alto, junto a la voz de Turner doblándose magistralmente. No menos buena es “Fame And Fortune” que suena a la primera y tristemente olvidada época de Bon Jovi, recordando en su melodía bastante a “She Don´t Know Me” pero con producción del siglo XXI, buenísimos teclados una vez más. Un poco más tranquila, “Heart Over Mind”, con la guitarra de Uwe fantástica junto a la cálida voz de Joe Lynn Turner a un omnipresente sonido de piano. A continuación nos encontramos con “This Is My Heart” en el que los golpes de teclado parecen extraídos directamente de “Rescue You” dentro de un corte más a lo Michael Bolton de la primera época, y con la voz de Turner una vez más sobresaliendo. El medio tiempo “Strenght Over Time” recuerda algo más a Survivor, me imagino que será alguna de las que tendrá detrás la mano de Peterik, y que va creciendo de manera espectacular, de las mejores del disco. También parece de la cosecha Peterik la siguiente y más lenta “Another You”, aunque también tiene cierto aire Glenn Hughes, algo se le habrá pegado a Turner, al igual que sucede con la más cañera y dinámica “Love’s Gone Wrong”. “Fistful Of Heat”, tema que ya aparecía hace veinte años en el primer trabajo del tristemente fallecido Van Stephenson, es otro de los temazos del trabajo, con más fuerza e intensidad que la original, un corte más cercano al hard rock y donde las guitarras son protagonistas. Uno de los cortes curiosos es “Night Moves”, una especie de medio tiempo, en el que crean una ambientación muy especial con los teclados y donde se marcan unos buenos cambios a golpe de guitarras, solo incluido. En la misma línea tranquila sigue “Danger Of Love”, aunque esta con más fuerza y dinamismo que la anterior. La recta final con “Making Up For Lost Time” y “Arms Of Love” vuelve a ofrecernos la versión más tierna de Sunstorm, con dos muy buenas baladas, algo más movida la primera, y totalmente deliciosa la segunda, ideal para escuchar bien acompañado. Un cierre perfecto para un gran disco que no debería pasar desapercibido para los seguidores de Joe Lynn Turner, y de los seguidores del A.O.R. de calidad en general. Recomendadísimo.

Mariano Palomo

FAIR WARNING "Brother's Keeper"

(Frontiers / Mastertrax)

Mas de 6 años han tenido que pasar para que los teutones de Fair Warning se pusieran de acuerdo y supongo que siempre por la “pasta”, (pero esto no es una excepción), se vuelvan a reunir y editen lo que va a ser a partir de este 25 de Agosto, su quinto trabajo en estudio. Algo llamado “Brother’s Keeper”. Los alemanes fueron una de las pocas bandas que tuvieron la suerte, o la desgracia, según se mire, de comenzar a principios de los `90 donde el Hard Rock, debido a la avalancha “grunge”, era algo menos que irrisorio. Pues bien, Fair Warning, no sólo resistieron, sino que se abrieron un hueco en Europa y sobre todo en Japón, dónde triunfaron sin precedentes. Después llegaron los “malos rollos” de siempre hasta que la banda dió la noticia de su separación poco después de editar bajo el sello Frontiers, como en esta ocasión, lo que fue el Cd llamado “4”, allá por el año 2001. En la actualidad y con la formación casi al completo, (Tommy Heart-Voz; Helge Engelke-Guitarras; Ule Ritgen-Bajo y CC Behrens-Batería), vuelven, como indicábamos antes, también por medio del sello que los vió desaparecer. 13 corte contiene este “Brother’s Keeper”, donde nos encontramos, como siempre ese estilo de Hard Rock melódico característico de la banda y de lo que fueron sus raíces, sus compatriotas de Zeno, ya que varios de sus componentes pasaron por las filas. Guitarras con los particulares riffs del cuarteto, solos con la calidad a la que nos tienen acostumbrados desde el principio de su carrera y por supuesto la mágica e inconfundible voz de su vocalista. Respecto a los cortes, podríamos destacar, “Don’t Keep Me Waiting”, “Generation Jedi”, “Rainbow Eyes”, “Tell Me Lies”, “Still I Believe”, (temas extra para Europa), o “The Way”. Y baladas o medios tiempo de gran calidad como son “Wasted Time” o “All I Wanna Do”. Por último y si por casualidad no ha quedado claro, no esperéis nada nuevo de Fair Warnig este CD. En este caso por suerte, no hay guitarras ásperas o modernas, ni riffs agresivos que puedan ensombrecer los cortes o la imagen de la banda.

Sergio Zapata

PUNTO DE MIRA “Algo Irreal”

(Killerfox)

Javier Mira es uno de esos músicos inasequibles al desaliento. Conocido sobre todo por haber sido el guitarrista de Tritón, durante 20 años ha emprendido un proyecto tras otro que han pasado desapercibidos, pero la mala suerte no consigue derrotarle. Ahora, junto al vocalista Juan Olmos, cuyos antecedentes confieso no conocer, nos presenta su más reciente intentona, y digo más reciente, porque seguro que no será la última. Quizá es un trabajo que despistará a más de uno, porque no es exactamente heavy metal. Diría que es más bien rock sureño, en algunos momentos haciendo frontera con el blues, “Luz de Neón” es un buen ejemplo. Dejando aparte a los talibanes del metal, que sólo con lo que acaban de leer ya no querrán ni oírlo, en este disco podemos encontrar canciones pegadizas y vacilonas de las que entran solas. Particularmente estoy pensando en “Tu Sangre Me Sienta Bien”, “Apuesta Fuerte” y “El Mago”, las tres que más me han gustado, y la verdad es que no sabría decir cuál es mejor. No veo muchas pretensiones en este CD, sólo diversión y rock and roll. ¿Para qué queremos más?

Nacho Jordán

JAVIER MIRA “Grabaciones Inéditas I”

(Vaso Music)

Casi al mismo tiempo que Punto de Mira, el guitarrista Javier Mira saca a la luz canciones de sus anteriores grupos que no llegaron a publicar disco. Estas bandas fueron Geyser, Algo Salvaje, Vudú, Instinto Básico y Musical. De cada una de estas formaciones se incluyen tres ó cuatro canciones. Es de suponer que Javier tendría bastante material para elegir, y ha tenido la habilidad de incluir lo mejor y más comercial que tenía disponible, porque todo lo que viene es cojonudo. Me ha gustado mucho más que el propio CD de Punto de Mira, cosa, creo, hasta cierto punto normal. Si de cada grupo coges los temas que fueron mejores... pues no hay nada de relleno, y todo es de primera. Si tuviera que elegir lo que mejor me ha parecido, creo que me decantaría por la parte correspondiente a Algo Salvaje, con la vocalista Lou Garx al frente. Curiosamente no viene la única canción que llegaron a publicar, en el primer volumen de la vídeo-revista “El Diablo del Rock And Roll”. Los tres cortes, “Algo Salvaje”, “Animal” y “Lobos de la Calle”, son a cual mejor, sobre todo los dos primeros. Pero en ningún caso significa que el resto de etapas que componen el recopilatorio se quedan cortos. Geyser parecen un cruce entre Tarzen y Bella Bestia, y, por lo que se ve, alternaban el uso del castellano y del inglés. Quizá el grupo que más me ha recordado a Tritón ha sido Vudú en “Qué Más Puedo Pedir”. De Musical, extrañamente, sólo viene un tema, “Mirando Hacia el Sur”, que es magnífico, rabiosamente alegre y pegadizo. En cuanto a Instinto Básico, lo más destacable es “El Rey del Musical”, que parece en todo la segunda parte de “El Rey de la Ciudad” de Sangre Azul. Quizá tenga que ver que viene firmada junto a un tal “Lili”. El disco se completa con el instrumental “Solos” y una versión del “Crosstown Traffic” de J. Hendrix. Lo único negativo es la pobreza del libreto, a nadie le habría molestado saber quiénes eran el resto de componentes de cada uno de los grupos, por ejemplo. La distribución de esta excelente colección de rarezas es bastante limitada, por lo cual recomiendo consultar en la propia web de Javier Mira para conseguirlo.

Nacho Jordán

TEN “Return To Evermore” (Reedición)

(Frontiers – Mastertrax)

Coincidiendo con la publicación del nuevo álbum de los melódicos Ten con el sello italiano Frontiers (el tenebroso “The Twilight Chronicles”…), compañía y artista han optado por relanzar juntos su penúltima obra, la cual pasó por desgracia muy desapercibida para el gran público. Esta nueva edición ve la luz ahora con un sonido bastante mejorado y con un tema extra inédito, que hará las delicias de los fanáticos de esta buena banda inglesa. Tanto la portada como el orden de las canciones se han respetado para no causar ningún sobresalto, incluyendo el mencionado bonus como añadido al CD. Para los que no os compraseis en su día este trabajo, os comento brevemente lo que os encontraréis cuando lo introduzcáis en vuestra bandeja de cedés. “Return To Evermore” se abre con una extensa y épica “Aparittion” que da paso a la envolvente “Dreamtide”, de sensacional estribillo. “Evermore” comienza con un plagio/homenaje al glorioso “Over The Hills And Far Away” del guitarrista irlandés Gary Moore; que allana el terreno para “Sail Away”, una balada correcta sin más. Llegamos así al plato fuerte del álbum, “Temple Of Love”, un temazo que parece sacado de su debut y que sin duda es el mejor corte del redondo. Sigue “Even The Ghosts Cry”, otro grandioso tema de puro AOR para relamerse, pero que da comienzo con un más que innecesario tapping a cargo del competente guitarrista Chris Francis (yo no he echado de menos a Vinny Burns en este disco, la verdad…). A continuación dos medio-tiempos, “Strangers In The Night” y “Evil's On Top In The World”, que bajan ligeramente el listón de calidad. “The One” es otro buen corte, rockero y con melodía, que da salida al peor tema del álbum, como es el oscuro y pesadote “Lost Soul”. “Stay A While” es otra bonita balada de-los-Ten-de-siempre, mientras que “Tearing My Heart Out” es un experimento muy contundente y de aires siniestros, que no llega a convencer. El bonus es un delicioso tema tranqui, en el que la voz de Gary Hughes se impone a lo largo de todo el minutaje, y que deja un buen sabor de boca a los oyentes. Lo dicho. Si no disfrutaste en su momento de este buen trabajo, ahora tienes una oportunidad inmejorable para hacerte con él: Recomendado.

Rafa Carrillo

DEREK SHERINIAN “Blood Of The Snake”

(Inside Out / Mastertrax)

Con “Blood Of The Snake” el ex teclista de Dream Theater, Derek Sherinian, sigue con la buena costumbre de ofrecernos grandes discos en solitario. Bueno, lo de en solitario habría que matizarlo mucho, ya que una vez más ha vuelto a rodearse de un magnífico elenco de músico que acaban por dar forma a una obra variada, compleja y sobre todo llena de calidad en cada uno de sus cortes. Temas de pura virguería instrumental en su mayoría, en los que Sherinian se maneja como pocos, caso de la inicial “Czar Of Steel” donde recuerda totalmente a su anterior banda, “Phantom Shuffle” con una buenísima entrada de batería a cargo del gran Simon Phillips (Toto) y con unos enrevesados desarrollos de guitarras y teclados, además de la inclusión de un saxo dando el toque jazzie al tema. Pero para jazz rock en toda su extensión nos deja “On The Moon” una preciosidad de tema lento donde piano y saxo crean un ambiente íntimo y relajado realmente espectacular; lo más tranquilo del disco junto a “Been Here Before” en la que el compañero de Sherinian en Dream Theater, John Petruci saca unos sonidos espectaculares a su guitarra. Más heavy se pone el asunto con la aportación de guitarras de, creo, Brad Gillis (Night Ranger, Ozzy) y de, seguro, Yngwie Malmsteen, en “Blood Of The Snake”, que repite en la acelerada “The Monsoon” donde el sueco da lo mejor de sí mismo al igual que en “Viking Massacre” que podría pertenecer a la mejor etapa de Rising Force, aunque compartiendo protagonismo de nuevo con John Petruci que también pone su buena cuota de calidad instrumental. Pero para heavy y cañera “Man Without No Name” en la que Zakk Wilde aporta voz y guitarra en un tema marca de la casa sonando a Black Label Society por todos lados. Como podéis comprobar variedad y calidad a raudales en los temas y en la nómina de artistas responsables de esta obra, a los que hay que añadir al bajista Tony Franklin (Blue Murder), al batería de Foreigner Brian Tichy, y a Slash y Billy Idol que se encargan de intervenir en “In The Summertime”, tema archiconocido de los setenta de aire festivo y vacilón que pone el cierre de forma simpática al disco. Disco sin duda lleno de calidad y totalmente recomendable.

Mariano Palomo

BLIND GUARDIAN “A Twist In The Myth”

(Nuclear Blast / Mastertrax)

Cuatro años han pasado desde el lanzamiento de “A Night At The Opera”, última obra de los inventores del metal bardo, Blind Guardian. Y en esos cuatro años han pasado muchas cosas, proyectos paralelos de algunos de sus componentes, giras larguísimas, y cambios en la formación la salida del batería de siempre Thomas Stauch, sustituido por Frederik Ehmke. Todos estos acontecimientos parece que han influido en esta nueva obra “A Twist In The Myth”, dando un nuevo giro como su nombre indica al sonido de la banda. Con temas que innovan en el sonido tradicional de los alemanes, como el primer single “Fly” que en una primera escucha deja algo frío, pero en la que luego descubrimos bastantes matices de interés, al igual que la siguiente “Carry The Blessed Home” más tranquila con la voz de Hansi Kursch en su mejor interpretación del álbum. “Another Stranger Me” es algo monótona, menos power metalera y con sonidos más modernos, sin pasarse, y donde las guitarras suenan más hard rockeras, al igual que en “The Edge” aunque esta algo más oscura, mientras que “Lionheart” tiene reminiscencias tribales sobre todo por el uso destacado de las percusiones en su inicio y por los cambios de ritmo conducidos por los interminables coros del tema. La vena más folk sale a relucir en la festiva “Turn The Page” y en “Skalds & Shadows” que no desentonaría en absoluto en cualquiera de los discos de Blackmore’s Night, con mucho coro pomposo y bonitos arreglos de flauta. Se oscurecen de nuevo en la final, “The New Order” aunque para el ambiente tétrico que desprende es les queda bastante dinámica. Y os preguntaréis, ¿es que no hay temas a lo Blind Guardian más power?, pues claro, evidentemente los hay, recordando las mejores épocas del cuarteto. De hecho temas la inicial “This Will Never End”, “Otherland” o la magnifica “Straight Through The Mirror” mantienen el inconfundible sonido épico, power metalero de obras anteriores y suenan realmente bien, al igual que toda la obra en la que la producción de Charlie Bauernfeind que saca un gran sonido a los temas. Podemos decir que este disco es lo de siempre, power, folk, coros épicos y la voz chillona de Hansi, pero con algunos toques que para unos harán más interesante a la obra y que para otros supondrán una pequeña decepción, para mi mitad y mitad. Ustedes mismos.

Mariano Palomo

SHARK ISLAND “Gathering Of The Faithful”

(Frontiers / Mastertrax)

Otros que se apuntan a la tendencia de volver tras un montón de años desaparecidos son los americanos Shark Island. Además lo hacen con su formación original prácticamente al completo, salvo la entrada del prolífico batería Glen Sobel en lugar de Greg Elis, es decir, con el vocalista Richard Black al frente acompañado por el guitarrista y teclista Spencer Sercombe y por el bajista Christian Heilmann. La verdad es que tampoco fueron una banda de excesiva relevancia musical en el panorama americano, apenas con un disco en estudio en el mercado, el recientemente reeditado “Law Of The Order” de 1989 que se convirtió en pieza de coleccionismo, más por su dificultad para conseguirlo con el paso de los años que por su calidad, no me parecía para tanto, y con un mini LP de seis temas en directo del mismo año. Pero este regreso con “Gathering Of The Faithful” diecisiete años después me ha convencido bastante; un disco muy personal, casi intimista, lleno de sonidos acústicos, sencillo, con pocas concesiones al virtuosismo y las aceleraciones, pero pleno de calidez. La voz de Richard Black se muestra personal y aterciopelada a lo largo de toda la obra, con mucho feeling y sabiendo marcar el tiempo de los temas sin aparente esfuerzo, muy bien arropada por la guitarra y los teclados de Spencer Sercombe creando una especie de atmósfera tranquila, aunque en ocasiones también pisan un poco el acelerador y se muestran algo más rockeros como en “The Stranger” con un sonido de guitarra clavado al del “Stargazer” de Rainbow, y en la más festivas y sureñas “Down To The Ground” o “Will To Power”. Por supuesto hay buenas baldas como “Welcome Goodbye”, “Looking For The Sun” con unos magníficos coros muy a lo Open Skyz, o la más intensa “Need Your Love”. Pero donde mejor muestran su calidad Shark Island es en los medio tiempos acústicos, en cortes como la inicial y preciosa “Blue Skies” o la buenísima “Go West”, sin olvidar otras como “Tomorrow’s Child” que recuerda un poco a Badlands o la curiosa “Life Goes On” con un comienzo muy a lo Lenny Kravitz y que acaba sonando a Led Zeppelin. En definitiva un disco bastante interesante, algo largo, pero que supone un más que digno retorno al panorama rockero de esta formación. Recomendado para seguidores de bandas como las citadas, y otras como Tesla o The Cult.

Mariano Palomo

DEACON STREET “II”

(MTM Music / Goi Music)

Tommy Denander no para. Y es que aprovechando el parón entre la última entrega de Radioactive y su futura colaboración con Paul “Starchild” Stanley, Denander publica en estos días un nuevo disco de Deacon Street, en el cual destapa su vertiente más melódica. Aunque en verdad os digo que pocas diferencias soy capaz de encontrar respecto del debut, esto es, un deslubrante plantel de músicos, una eficiente producción y una colección de temas muy irregular. Y es que tengo la impresión que Deacon Street se asemeja más a una factoría de churreros que no paran de darle despreocupadamente a la manivela... Eso sí, entre el all-star de músicos seleccionados para esta ocasión, todos dan sobradamente la talla, especialmente en la instrumental que cierra el CD, “Jason”, y que supone un sentido homenaje al enfermo guitarrista Jason Becker (Cacophony, David Lee Roth). Entre medias, algunos cortes de puro scandi-AOR que suenan a gloria bendita (“Beautiful Chardaine”, “Save Me”), alguna balada sosa y planota (“I Give This Promise”) y, desafortunadamente, bastante relleno. Pues sí, por desgracia el relleno impera en este trabajo, en el que he contabilizado hasta 2 versiones: “Action” de Sweet (con bastante menos gracia que la realizada por Def Leppard), una más que correcta “Easy As It Seems” del susodicho Paul Stanley; y otras ¡dos instrumentales! (“Jason”, ya comentada anteriormente, y una aburridísima “Them Changes”), terrible pecado teniendo en cuenta la nómina de vocalistas participantes. Maaal, Tommy, maaal!!! En definitiva, este álbum representa un capricho más del señorito Denander que esperemos no acabe quemado de tanto proyecto y desde aquí le recuerdo que “quien mucho abarca, poco aprieta”.

Rafa Carrillo

AXEL RUDI PELL “Mystica”

(SPV / Mastertrax)

Décimo primera entrega en estudio del rubio guitarrista alemán y su banda. Y una vez más nada nuevo bajo el sol, se repite la estructura que viene llevándose a cabo y en todas las obras del hacha teutón, sobre todo desde que reclutó para sus filas al enérgico vocalista Johnny Gioeli en el año 98 para registrar uno de sus mejores discos “Oceans Of Time”. Apertura con intro instrumental de alrededor de un minuto, seguida de un tema acelerado y directo para abrir boca, en este caso la contundente “Fly To The Moon” con estribillo claro y potente. Sigue el orden habitual con el tema más melódico y hard del disco, en esta ocasión “Rock The Nation” un muy buen corte en el que la gran pegada de Mike Terrana se enfrenta a las teclas de Fredy Doernberg que arropa magníficamente los riffs de Axel, y que se ha convertido en un elemento indispensable en la banda, al igual que el bajista Volker Krawczak completando una formación sólida y estable que sigue dando buenas producciones como la que nos ocupa. Seguimos el guión con el tema épico y extenso, más a medio tiempo y pesado, “Valley Of Sin” en la que Gioeli sigue exhibiendo su enorme voz y Axel su clase en el mástil. A continuación un tema más dinámico y sencillo con buena apertura de teclados, “Living A Lie”, y donde los coros tiene su buena cuota de protagonismo. Tiempo para la balada, inevitable en todos los trabajos de Mr. Pell, esta vez con el título de “No Chance To Live” manteniendo un buen nivel, pero sin ser ni mucho menos de las mejores que ha hecho, y ya van unas cuantas. De nuevo tema extenso, más de ocho minutos para el corte título “Mystica” muy apropiado con aires muy “místicos” en su comienzo lento y que se va acelerando en su desarrollo al más puro estilo Rainbow de la época Dio, con algunos cambios de ritmo interesantes aunque al final a alguno se le haga algo monótona. El habitual guiño a la música clásica esta vez lo pone “Haunted Castle Serenade (Opus #4 Grazioso e Agresso)” en la que Axel recuerda más que nunca al maestro Blackmore secundado por lo golpes de batería de Terrana, en una preciosa pieza. Vuelta a la caña y el dinamismo con “Losing The Game” que suena bastante bien, algo más hard rockera. Y el cierre, como no podía ser de otra manera, con el corte más extenso del trabajo “The Curse Of The Damned”, casi diez minutos de exhibición de toda la banda para escuchar sin prisas y apreciar el buen hacer del quinteto, que empieza bastante lento pero que a mitad del tema se acelera notablemente y acaba de nuevo levantando el pie. Como podéis comprobar el disco es lo de siempre, con buenos temas, buen sonido y unos magníficos músicos, no sorprenderá a nadie, algunos dirán que es lo de siempre. Pero, si algo es bueno y funciona, ¿para qué cambiarlo?

Mariano Palomo

CJSS “2-4-1”

(Lion Music / Goi Music)

Bajo este curioso título se esconden, ni más ni menos, que los primeros trabajos que el guitarrista americano David T. Chastain publicó en 1986 bajo una de las tres denominaciones con las que ha ofrecido sus más de veinte obras hasta la fecha, CJSS. Los discos en cuestión son “World Gone Mad” y “Praise The Loud”, dos entregas que no había tenido oportunidad de escuchar hasta ahora que las recupera Lion Music y que me han sorprendido gratamente. Sonido típicamente de heavy americano de la época, con recuerdos a bandas como Armored Saint, Malice (sobre todo por la voz de Russell Jinkens), Fifth Angel, Warrior o los mismos Riot de los principios, contemporáneos todos ellos. Basta escuchar la mayoría de los temas de este CD para trasladarte a la época underground de cualquier garito lleno de humo y tachas de los States, cortes como los dos que dan título a los discos recuperados, brillantes al igual que “Out Of Control”, la acelerada “Don’t Play With Fire”, la más melódica “Danger”, la inquietante “Citizen Of Hell” o la lenta “Run To Another Day” una en la que más se luce el guitarrista junto con la final “The Bargain”. Chastain no copa el protagonismo del disco y lo comparte con el mencionado vocalista Jinkens, con el batería Les Sharp y con el bajista Mike Skimmerhorn. La curiosidad del CD viene con la potente y fiel versión del clásico “Comunication Breakdown” de Led Zeppelin que interpretan francamente bien y que en su momento dejaron fuera de sus grabaciones. En definitiva una buena oportunidad para descubrir o redescubrir a este gran guitarrista americano en su faceta más de grupo y menos de solista virtuoso y que puede sorprender a más de uno por su potencia y calidad.

Mariano Palomo

CLOVEN HOOF “Eye Of The Sun”

(Escape Music / Goi Music)

Curiosa la historia de esta formación británica, surgida con la década de los 80’s en pleno apogeo de la NWOBHM y que ahora descubro con su reentré discográfica tras más de veinte años de silencio. Una banda que en sus filas a tenido a gente de bandas como Trapeze o Budgie y que tuvieron alguna repercusión en el underground metálico inglés con “A Sultans Ramson” su última entrega en estudio a finales de los 80’s hasta ahora que vuelven con “Eye Of The Sun”. Un disco que sin ser nada del otro mundo, ni descubrir nada nuevo resulta bastante correcto y contundente en su desarrollo, con una destacada producción a cargo de Tom Galley (Phenomena) y con unos temas que cumplen bastante bien dentro de un heavy melódico y potente como muestran en “Inquisitor”, “Eye Of The Sun” o la más melódica “Kiss Of Evil” en las que destaca la poderosa voz de Matt Moreton sobre el muro que forman el batería Orlin Radinsky y el bajista Lee Payne (único miembro original de la banda). Recuerdan algo más a The Cult en “Eye Of The Zombie” aunque con las guitarras de Andy Shortland muy a lo Zakk Wilde, al igual que en las más modernas y algo inferiores “King For A Day” y “Absolute Power”. Más sencilla y machacona es “Wore Of Babylon”, aunque no carente de intensidad. Aunque para intensa “Golgotha” que engaña con un principio lento y acaba sorprendiendo con un furioso desarrollo y con buenos cambios de ritmo. Dejo para el final las dos que más me han llamado la atención, la extensa que cierra “Angels In Hell” con un ritmo magnífico y donde juegan muy bien con los sonidos de guitarra y que llega a recordarme a sus paisanos Tokyo Blade pero con buena producción; y sobre todo “Cyberworld” donde combinan perfectamente caña y melodía para completar un muy buen tema en el que todos los componentes del grupo ofrecen sus mejores cualidades con unos destacadísimos coros. Un trabajo correcto, interesante por momentos y que desconozco si se aproximará a lo que hacían los chicos de Cloven Hoof anteriormente. Lo investigaremos, han despertado nuestra curiosidad y se han ganado una oportunidad.

Mariano Palomo

MANITOU “Deadlock”

(Metal Heaven / Goi Music)

Segundo trabajo y primero que llega a nuestras manos de este fornido quinteto finlandés. Un disco que nos muestra sonidos de heavy metal clásico, con algunos toques progresivos y que sin descubrir grandes cosas sí cumple más que correctamente en sus once cortes. La labor vocal de Markku Pihlaja es de lo más destacado del disco, con un poderoso timbre de voz y llegando bastante bien a todos los tonos. Por momentos puede recordar a un Mustaine menos cabreado como en “Black Burning Flame”, en la buena balada “Swallow The Dark” o en “Fools In Control” un gran tema por otra parte, y ponerse más Kiske en “Waste, Damnation” en la que rivaliza con las guitarras muy “Seventh Son...” de Markus Vanhala y Antti Laureen. Muy destacado a lo largo de todo el disco el trabajo de la pareja de hachas, que se hace especialmente patente en “Psychoracer”, su corte más progresivo con unos interesantísimos cambios de ritmo que van desde el heavy más acelerado y frenético a partes seudo acústicas con arreglos psicodélicos a lo Pink Floyd; también con toques progresivos encontramos “The State Of Mind”, con ciertas reminiscencias Angra, y “Black Meadow (Menace Of War)” donde las guitarras electro-acúsricas brillan de nuevo. Más estándar son en su concepción temas como “And The Silence Bites” puro heavy metal a lo Primal Fear, al igual que “Lead Wild Ride” en las que se hacen notar el bajista Ismo Laukkanen y el batería Matti Suhonen, acompañando contundente y técnicamente los afilados solos de guitarra que adornan las composiciones, tónica constante a lo largo del trabajo. En líneas general un buen descubrimiento y una banda que con este disco demuestra tener muchas y muy buenas ideas, aunque algo faltos de pegada y llegada directa al público; si os gustan bandas como Angra, los Maiden del “Seventh Son” o Fates Warning podéis apostar por ellos.

Mariano Palomo

MANTICORA “The Black Circus. Part 1 – Letters”

(Massacre Records)

Primera parte de esta obra conceptual de los daneses Manticora en la que relatan la historia de terror de un circo en Nueva Inglaterra durante el siglo XIX, basándose en los relatos de H.P. Lovecraft. Concepto aparte el grupo a dado un giro bastante notable a su sonido, mantienen la base powermetalera a lo Blind Guardian, sobre todo en el tema título, pero añaden aspectos más agresivos, oscuros y progresivos. Buena presencia de guitarras a cargo de Kristian Larsen, acelerada base con Mads Wolf marcando el ritmo frenéticamente desde su batería junto al bajista Kasper Gram, e interesantes y ambientales coros y teclados de aires oscuros y tenebrosos son los ingredientes básicos de este nuevo trabajo de Manticora, quinto en su carrera. La voz de Lars Larsen no me entusiasma, escasa en matices, pero cumple dentro del engranaje de un disco, que a pesar de sus buenas intenciones acaba aburriéndome, demasiado denso, falto de chispa y excesivamente oscuro para mi gusto. La obra está dividida en cinco partes, con cuatro interludios que las separan; me quedo con la tercera parte en la que incluyen la acelerada “Forever Carousel” donde destaca la guitarra de Kristian Larsen que es lo mejor del disco con diferencia, la lenta y dramática operística “Freakshow” con Lars Larsen aportando su faceta más lírica, y de nuevo se aceleran con “Gyspies Dance Pt. 1”. El resto es bastante monótono y requiere demasiada atención para sacarle todo el jugo y trabajo que sin duda tiene detrás. Un arriesgado salto el de los chicos de Manticora que no me acaba de convencer, tras haberme llamado más la atención con su anterior disco “8 Deadly Sins”. Esperaremos a la segunda parte a ver si es mejor.

Mariano Palomo

MOTORHEAD “Kiss Of Death”

(SPV / Mastertrax)

¿Otro disco de Motorhead, ya?, pero si no lo han anunciado apenas y hace nada que han sacado “Inferno” y un DVD en directo. Eso es lo que pensaréis muchos, pero Lemmy y sus chicos son así, atacan sin previo aviso y cuando te quieres dar cuenta ya tienes encima otra remesa de trallazos directos a tu entrecejo. No hay sorpresas, no hay concesiones, doce pelotazos de puro rock’n’roll directo, agresivo y auténtico como pocos, pero eso sí, sonando muy bien, con la formación totalmente estabilizada hace años con la máquina Mikkey Dee a la batería sonando absolutamente brutal, con Phil Campbell destripando su guitarra con clase y mala leche a partes iguales, y con Mr. Kilmister en su línea inconfundible e invariable a lo largo del tiempo. Temas cañeros y directos como “Sucker”, “Trigger”, “Sword Of Glory” o “Be My Baby” hacen que no puedas despistarte ni un segundo, al igual que la más rockanrolera y festiva “One Night Stand” con un contagioso ritmo vacilón que hará que muevas el pie sin remedio; más o menos como te pasará con “Christine” donde la guitarra de Campbell marca una línea clásicamente rockera para empastar perfectamente con un pegadizo estribillo. Aunque donde el hacha se luce a base de bien es en la intensísima y preciosa lenta “God Was Never On Your Side”, demostrando que con su guitarra sabe hacer bastante más que distorsionar junto su ampli al final de los conciertos, y acompañando con brillantez la desgarrada y apasionada voz de Lemmy. También meten un tema pesadito y menos agraciado, en este caso “Kingdom Of The Worm” que es bastante tostón, pero dentro del buen nivel del disco la verdad es que no molesta demasiado. Un disco más de Motorhead, una muesca más en su culata, y ya no sabemos ni las que van, y por lo que parece no tienen mucha intención de parar y piensan seguir con su lema “We’re Motorhead, We Play Rock’n’Roll”. Y al que no le guste pues ya sabe, esto es lo que hay.

Mariano Palomo

SHOOTING STAR “Circles”

(Frontiers / Mastertrax)

De nuevo Frontiers al rescate. En este caso de una de esas formaciones de A.O.R. que surgió en Estados Unidos en los ochenta y que pasó inadvertida para el gran público entre la vorágine musical y creativa de la época, a pesar de su indudable gusto y calidad. Y es que Shooting Star no son ningunos recién llegados, desde que en 1980 publicarán su homónima obra debut nos han dejado de forma intermitente ocho trabajos en estudio y uno en directo además del que nos ocupa de este 2006. La formación es prácticamente ha mantenido su núcleo desde el inicio, con el guitarrista Van McLain, el batería Steve Thomas y el bajista Ron Verlin, a los que se unió a mediados de los noventa el teclista Dennis Laffoon, y para este disco el maravilloso Kevin Chalfant (ex The Storm, Two Fires, 707) para hacerse cargo de las voces y aportar toda su calidad y personalidad a este “Circles”. Un disco que sin meterse en estériles complicaciones nos ofrece diez cortes de A.O.R. llenos de calidad, con buenas dosis de guitarras y teclados, fácil de escuchar y bastante amenos. Hay cortes más rockeros, como la inicial “Runaway” con unos magníficos cruces de teclas y guitarras, “Trouble In Paradise” con unas guitarras poderosas y unos grandes coros, “Everybody’s Crazy” enormemente dinámica con aire vacilón y rockanrolero total a lo Jimmy Barnes, o “I’m A Survivor” con unos buenísimos coros. Tiran también de sonidos más sinfónicos en cortes como “We’re Not Alone” muy bien construida y con la aportación fundamental de las teclas de Laffoon, junto al violinista Shane Michaels, dando claros tintes Kansas a su sonido, al igual que en “Borrowed Time” y en la bonita balada “George’s Song”, que junto a la no menos bonita y emotiva “What Love Is” ponen el toque tierno a la obra. Entre medias podemos situar dos preciosos medios tiempos, la maravillosa “Without Love” en la que los coros junto a las teclas dan el sonido característico de la época The Storm de Chalfant, al igual que la más acústica a dos voces “Temptation” donde añade pone su voz el guitarrista Van McLain. En resumen, un muy buen disco, de A.O.R. con todos sus ingredientes y que no defraudará a los seguidores del género.

Mariano Palomo

JOHN WAITE “Downtown Journey Of A Heart”

(Frontiers / Mastertrax)

Resulta una verdadera pena que un cantante de la valía de John Waite se dedique ahora a relanzar su maltrecha carrera mediante discos comúnmente denominados como “desenchufados”. Muy lejos del maravilloso “Five Man Acoustical Man” de Tesla, Waite repasa gran parte de su trayectoria musical, tanto en solitario como miembro integrante de recordadas formaciones como The Babys o los grandiosos Bad English. Aún así, entre los 12 cortes incluidos en este insulso y anodino trabajo, destacan los inéditos “St. Patrick’s Day” y la recreación del clásico “Highway 61” de Bob Dylan. “Missing You”, su mega-éxito en la radio-fórmula, es aquí interpretado al alimón junto a la cálida voz de una desconocida vocalista femenina. Aunque lo más chocante es la ¿desafinada? versión de “When I See Your Smile”, baladón ochentero que aquí deja prácticamente irreconocible. Del resto, poco que añadir… En definitiva, un disco perfectamente olvidable y que no hace justicia a este buen cantante. Lo dicho, una lástima.

Rafa Carrillo

STREET TALK “V”

(MTM / Goi Music)

Lo que empezó siendo un proyecto provisional hace diez años nos ofrece ya su quinto LP en el mercado. Si bien el anterior “Destination” de 2004 era un recopilatorio que podía marcar el final de una trayectoria, en palabras de propio Fredrik Bergh alma e impulsor de la banda, parece que aun tienen mucho y bueno que ofrecernos. Dentro de la línea de A.O.R. tranquilo, rozando el west coast por momentos, vuelven a mostrarnos una buena cosecha de temas, llenos de elegancia y calidad. Con la voz del gran Goran Edman haciéndolo como siempre de forma espléndida y moviéndose como pez en el agua en los terrenos del rock más tranquilo que tan bien domina. Las guitarras de Sven Larsson desprenden calidez y clase en cada nota, rivalizando con las teclas del propio Bergh. Todos ellos junto al bajista Björn Lodmark y al batería Christian Johansson dan vida a temas tan buenos como los tres primeros del disco: “Responsible” la más festiva y rockera del trabajo con unos aires a Talk Of The Town totales, la más Toto “Don’t Believe” en la que los teclados de Bergh destacan sobremanera junto a unos envolventes coros, o a “If I Could” que es puro A.O.R. de sabor escandinavo. Por supuesto no acaba aquí la cosa, ya hemos dicho que los once cortes merecen mucho la pena, desde baladas emotivas como “At The End Of The Day” con la acústica como protagonista, “Groundhong Day” y “Oh Maddy” en las que los sonidos más eléctricos llenan el tema junto a la maravillosa voz de Edman, hasta cortes más animados y dinámicos como “Sniper” con grandes dosis de teclados junto a la guitarra de Sven Larsson, o “Family Business” y “Just Like Appetizer” en la onda de la mencionada “Responsible” donde vuelve a destacar el hacha sueco. Entre medias podríamos situar a “Brother Sun And Sister Moon”, un bonito tema para cerrar con temática ecologista, y “Something’s Gotta Give”. Un bonito trabajo en definitiva, de una formación que empezó como algo temporal, pero que afortunadamente sigue dando buenos frutos. Esperemos que por mucho tiempo.

Mariano Palomo

THUNDERBOLT “Love & Destruction”

(Massacre Records)

Conocí a estos noruegos durante la gira de King Diamond que pasó por Madrid hace unos meses, y la verdad es que me causaron bastante buena impresión, despertando en mi cierta curiosidad. Ahora, a través de su segundo trabajo discográfico tengo la oportunidad de escucharles más a fondo, y la verdad es que no han cumplido las expectativas que habían despertado en mi. Para empezar el sonido del disco es demasiado oscuro, le falta brillo y claridad por todas partes, las composiciones se me hacen demasiado monótonas y previsibles, echando en falta un dinamismo que si mostraron en directo, sobre todo por parte de su vocalista Tony Johannssen que nos recordó muchísimo al gran Dickinson, pero que en el disco queda mucho menos convincente. Quizá lo más destacable, casi por destacar algo, son las aportaciones de Cato Syversud y de Frank Johannssen con sus guitarras, que consiguen sonidos interesantes, aunque muy apagados, en cortes como “Bad Boys” o “Love & Destruction”, al igual que en la lenta “Hi-Fidelity Heartbreak” que podría haber sido un gran tema si hubiera tenido algo más de brío y garra. También es rescatable “We Will Survive” por su estribillo más melódico y pegadizo. A la base rítmica, Morten Eriksen (bajo) y Vegard Waske (batería) mejor no los voy a calificar porque iban a salir muy mal parados, insisto que seguramente por el mal sonido del disco, porque en directo no me parecieron nada malos. En fin una pequeña decepción la que me he llevado con Thunderbolt, aunque si en directo son capaces de hacerlo bien, seguro que con los medios adecuados sabrán hacerlo también en estudio.

Mariano Palomo

UZZHUAIA “No Intentes Volver Atrás”

(Weight Recordings)

Buen aperitivo en forma de EP el que nos ofrecen los levantinos Uzzhuaia de lo que será su tercer LP homónimo que verá la luz el próximo cuatro de septiembre. Cuatro cortes que dan una idea de lo que nos espera en su próximo redondo completo, pero con identidad propia; encontramos dos cortes que aparecerán en el mismo, pero además un tema como “Corriendo Tras De Mi” perteneciente a las últimas sesiones de grabación que final se ha quedado fuera del listado del disco, y que es un fantástico corte de aires sureños, mezclando acústica y eléctrica, sonando a la mejor época de M Clan. El otro regalo es la versión de “Don’t Let Daddy Kiss Me” de Motorhead que ya grabaron en el tributo nacional “Morir Con Las Botas Puestas” a la banda de Lemmy, una curiosidad que seguramente muchos desconocían y que muestra como se puede hacer acústico e intenso un tema de Motorhead que no es precisamente de los más conocidos. En cuanto a lo que son los temas que se incluirán en el disco, hay que decir que son dos temazos; el primer single “No Intentes Volver Atrás” desde el comienzo de su cálida guitarra traerá sin remisión a tu mente a los mejores Cult, con un rollo comercial pero rockero, con unos coros y unos sonidos acústicos realmente notables, siempre con la voz de Pablo marcando la pauta recordando al mismo Atsbury, y con un fenomenal solo de guitarra a cargo de Israel o de Alex, no está especificado. La segunda canción, “La Cuenta Atrás” es mucho más rápida, clara y directa, con una base más contundente en la que José desde su batería y Alvaro con su bajo marcan un ritmo frenético, y demuestran que se puede hacer música actual y contemporánea sin perder la esencia del mejor rock’n’roll y sin caer en ruidos y sintetizadores chirriantes; seguramente puede recordar a lo mejor de gente como Sober, pero más rockeros. Completo EP que con estos dos cortes ya ha conseguido abrir nuestro apetito para el próximo disco completo, que ya estamos deseando escuchar, y además con el añadido de otro temazo como “Corriendo Tras De Mi” y de la versión de Motorhead, ¿Qué más se les puede pedir?

Mariano Palomo

VENGEANCE “Back To The Ring”

(MTM Music / Goi Music)

Vuelta al ring de los holandeses Vengeance. Bueno, más que del grupo, de su vocalista Leon Goewie único componente de la formación que permanece oficialmente en la misma. Una vuelta realmente potente e interesante con once temas llenos de fuerza y garra que nos llevan a otras épocas más gloriosas para el hard rock guitarrero y directo que se practicaba en el viejo continente y que parece que Goewie y compañía quieren recuperar. Tras su largo periodo de silencio discográfico el cuarteto neerlandés quiere volver a ser protagonista de la escena europea, tras dejarnos desde hace ya más de dos décadas obras tan interesantes como “We Have Ways To Make You Rock”, “Take Or Leave It” o “Arabia”, con las que sin llegar a cotas de gran popularidad, sí gozaron de cierto reconocimiento en todo el continente. En “Back To The Ring” incluso suenan más rockeros y rabiosos que entonces, sin olvidar la melodía en sus construcciones, pero dando el papel fundamental a las poderosas guitarras de Peter “Slash” Bourbon junto a las contundentes bases del batería Hans In’T Zandt y del bajista Barend Courbois que también se hacen notar a lo largo del redondo. No menos destacables son las voces que acompañan al desgarrado y furioso Goewie, con la presencia de los conocidos Michael Voss (Casanova, Mad Max) y Matt Sinner (Sinner, Primal Fear). Los temas siguen una línea bastante uniforme de hard rock frenético, sobre todo en el inicio con la inicial que titula el trabajo adornada unos coros absolutamente pegadizos y machacones, muy bien secundada por “No Mercy” en la misma línea, recordando bastante a Krokus, y por ende a AC/DC. Se relajan un poco en el “Mind Over Matter” algo más melódica pero con la misma pegada y en la que pone su inconfundible guitarra el ex Accept Wolf Hoffmann. Algo más místicos se muestran con “Capitan Moonlight” un medio tiempo de aire oriental en el que sin duda habrá tenido mucho que ver la participación del genial Arjen Lucassen ex del propio grupo y actualmente en Ayreon entre otros proyectos. Vuelven a acelerar con “Holy Water”, y aun más con “Bad Attitude” y “Had Enough” otras geniales demostraciones de actitud rockera en la línea de las primeras del disco. El mayor acercamiento al hard más melódico y americano, con cierto aire en su comienzo al “Bad Medicine” de Bon Jovi, viene con “Now And Then” en la que aparecen claramente los teclados tomando una importancia que no tienen en el resto del trabajo y que corren a cargo del mencionado Michael Voss, al igual que la buena producción del trabajo. Dan un simpático toque onda western en “Cowboy Style”, similar a lo que han hecho los alemanes Dezperadoz en su disco debut, y con un estribillo que si lo llevan al directo promete ser toda una fiesta en escena. Más serios vuelven con “Rip It Out”, algo más pesada y menos dinámica, y que precede a la final “Evelyn”, una balada acústica, bastante sosa y con unos arreglos modernos que me recuerdan a los últimos Def Leppard y que es lo que menos me convence del disco. Un disco, por otra parte, más que interesante y que sin duda está entre lo mejorcito del hard europeo aparecido últimamente, muy recomendable.

Mariano Palomo

THE WILDHEARTS “Geordie In Wonderland”

(Snapper / Mastertrax)

Estos británicos con una buena pila de trabajos a sus espaldas publican en estas fechas un nuevo directo en el que recogen quince temas de rock sucio y garajero rozando el punk, tan simple y directo que por momentos acaba haciéndose cargante, sin apenas matices con un sonido al que desde luego no se le puede tachar de retocado. Lo que se escucha en esta hora y pico de descarga sin descanso seguro que es lo que se grabó el 17 de septiembre del pasado 2005, guitarras sucias y saturadas, la batería de Ritch Battersby y el bajo de Danny McCormack en segundo plano y unas voces bastante personales de Ginger y CJ que también se encargan de las guitarras. Los temas más rescatables, “Sick Drugs” por su rollo más festivo en los coros un poco a lo Cheap Trick, “Nothing Ever Changes But The Shoes” más ramoniana, por supuesto “Geordie In Wonderland” en la que canta el público con la simple presencia de las guitarras acústicas sirviendo de descanso para los oídos, y “29 x The Pain” algo más elaborada y donde las notas se distinguen algo más. El resto mucha energía, mucha mala leche y muy poca calidad musical, y es que como decía el anuncio “la potencia sin control no sirve de nada”. Para escuchar buen punk rock garajero me quedo con nuestros Guitar Mafia. Disco para gente sin grandes pretensiones musicales.

Mariano Palomo

HEED “The Call”

(Metal Heaven / Goi Music)

Como resultado de la escisión de Lost Horizon surgió en el otoño de 2004 esta formación que bajo el nombre de Heed debutan discográficamente con “The Call”. Concretamente fueron el vocalista Daniel Heiman y el guitarrista y teclista Fredrik Olsson los que decidieron abandonar a sus antiguos compañeros para juntar sus fuerzas con las del batería Mats Karlsson (con el que ya coincidieron en una gira por España), con el bajista Jörgen Olsson y con el guitarrista Martin Andersson. Todos ellos hacen que este debut de Heed suene realmente potente y nítido, con una energía en las guitarras y las bases rítmicas que se acopla perfectamente a las melódicas líneas vocales de Daniel Heiman que ratifica su gran valía como cantante y que dota al trabajo de una personalidad realmente notable. El disco suena muy bien, gordo, compacto, y con esos matices entre guitarras y voces que lo hacen tan interesante. Desde que abren con “I Am Alive” tras la intro “Heed Hades”, se suceden una cascada de impactos musicales que entran sin dificultad a llamar nuestra atención, sobre todo en cortes como “Last Drop Of Blood” con un brillante desarrollo vocal, “Ashes” pura fuerza y poderío, o “Enemy” en la que completan su composición más melódica recordando a Dream Evil con sus buenas guitarras y coros pomposos, al igual que en “Salvation”. Por el contrario en “Tears Of Prodigy (Fallen Angel)” la historia toma un cariz más épico y oscuro recordando mucho a los últimos trabajos en solitario del gran Jorn Lande. A partir de aquí se ponen un poco más pesaditos, con arreglos modernos como en “The Other Side”, la chillona “Hypnosis” o la más progresiva “Moments” que aunque mantienen un buen nivel no me agradan tanto. Mejoran en el tramo final con la más pausada “The Permanent End Celebration”, y con la balada “Nothing” que cierra definitivamente este “The Call” llena de bonitos matices acústicos sobre la desgarrada voz de Heiman. Un buen trabajo de una nueva banda que promete calidad para el futuro si siguen por esta línea.

Mariano Palomo

ALABARDA “Furia Ígnea”

(Akeloo)

Hemos abordado con cierto retraso el tercer trabajo de esta banda procedente de tierras mañas. Siguen en su línea habitual, muy cercanos a los Judas de “Painkiller”, pero cantando en español. Cortes muy ilustrativos son “Desde el Suicidio”, “Mordiendo el Polvo” o “Senda de Fuego”, aunque esta última en algún momento también me recuerda a Hammerfall. Pero que nadie piense que son el típico grupo encasillado que, siendo buenos, acaban haciéndose repetitivos. El álbum no cae en la monotonía. ¿Ejemplos? El comienzo de “Furia” es puro Maiden. “Siente el Viento”, de no ser por la voz, la encuentro muy próxima al rock callejero, tipo Barricada o Esturión. Otra muestra de esta variedad es que la mejor composición del disco es un tema lento, “En Coma”. Una especie de medio tiempo, al mismo tiempo pesado, melódico, y me atrevería a decir majestuoso. También de las mejores es “Personaje de Ficción”, con una letra de lo más cachonda. Alabarda merecen mayor reconocimiento, pero, al igual que algunos otros, no llegan al público como deberían, a causa de tanta proliferación de grupos. Esperemos que tarde o temprano consigan el despegue definitivo.

Nacho Jordán

LUCA TURILLI’S DREAMQUEST “Lost Horizons”

(Magic Circle Music / Mastertrax)

Curiosa combinación y nuevo salto experimental por parte del mega ocupado guitarrista italiano. Aunque en esta nueva aventura bajo el nombre de Dreamquest tildar a Turilli sólo de guitarrista sería quedarse muy corto, ya que se encarga de los teclados y la programación y arreglos electrónicos y sinfónicos. Y todos estos elementos, según la nota que acompaña al CD, dan como resultado algo así como Symphonic Electro Metal, una etiqueta que puede definir bastante bien el contenido del disco. Elementos electrónicos con sonidos de sintetizadores que no conocíamos hasta ahora en la obra de Luca, mucho sinfonismo y lirismo en la voz femenina que se erige en punto fuerte del trabajo, y atmósferas y ambientes más góticos y oscuros, que se ven contrarrestados por algunos buenos riffs de guitarra. Como temas destacados me quedo con la inicial “Virus” que sorprende con sus sintetizadores iniciales y luego se torna en un gran tema que me recuerda a la vertiente más melódica de nuestros paisanos Ebony Ark, al igual que sucede con la siguiente y más gótica “Dreamquest” y con “Shades Of Eternity” en la que las nuevas tecnologías tomas más protagonismo; también llaman la atención la totalmente operística y emotiva “Sospiro Divino” con la voz femenina, en italiano, llenándolo todo sobre una delicada base de piano y alguna inserción orquestal, y la intensa “Gothic Vision” que cierra el disco y en la que Turilli se luce sobremanera tanto con los teclados como con un brillante solo de guitarra, sin quitar protagonismo a las voces. Por lo demás un disco bastante correcto en líneas generales, curioso y original, que puede llegar a hacerse pesado en algunos momentos, con un gran descubrimiento vocal en la persona de la chica que pone su voz (no os podemos decir el nombre ya que no aparece en el CD ni en la nota promocional) y que supone un salto más en la constante búsqueda experimental de este músico al que hay que reconocerle su trabajo y buen hacer técnico, lo de las composiciones ya queda al gusto de cada oyente.

Mariano Palomo

LUCA TURILLI “The Infinity Wonders Of Creation”

(Magic Circle Music / Mastertrax)

Cierre de la trilogía que se inició en 1999 con “King Of The Nordic Twilight” por parte del líder de Rhapsody Luca Turilli. “Prophet Of The Last Eclipse” fue su segundo capítulo, y con este “The Infinity Wonders Of Creation” pone punto final a esta saga. Una saga que en líneas generales me parece más interesante y dinámica que la trayectoria en su banda junto a sus compañeros “rapsodas”. Este nuevo capítulo el señor Turilli lo dedica a la Madre Naturaleza y a las maravillas de la creación, algo que de por sí ya es bastante más interesante que los dragones y las espadas. Rodea la temática de un gran lirismo, con piezas operísticas como la inicial intro “Secrets Of Forgotten Ages” que da paso a la intensa “Mother Nature” con una destacadísima aparición vocal que sobresale majestuosa sobre una cuidada orquestación. Se produce un giro más progresivo en “Angels Of The Winter Dawn” con más presencia eléctrica de guitarras, teclados y bajo jugando con varias voces, de nuevo muy buenas. Vuelta a los territorios más operísticos con “Altitudes” en la que toma el protagonismo una poderosa voz de soprano dentro de un corte más lento. Preludio perfecto para “Miracle Of Life” el tema más “comercial” del disco con más llegada a la primera, con unos teclados sobresalientes, y una estructura más épica con aires eslavos. Más protagonismo para la voz femenina en otra tranquila, “Silver Moon” en la que el piano comparte primer plano con las voces. Sigue el perfil bajo con “Cosmic Revelation” un tema más experimental, con toques modernos y que no me convence demasiado, a pesar de la buena aportación coral que lo adorna. Mejora la cosa con “Pyramids and Stargates” en la que el antiguo Egipto parece hacerse presente y apoderarse del tema, llena de coros y misteriosas melodías. El mismo camino sigue “Mystic And Divine” aunque algo más acelerada y dinámica destacando un atormentado dueto vocal más que interesante. El cierre lo pone el tema que da título a toda la obra, el más extenso y enrevesado de todos los que la componen, comienza lento y épico con coros monacales, pasa por una parte más moderna pero siempre con la orquestación omnipresente, vuelve a los coros épicos, a las voces operísticas y desemboca en un final muy similar a la intro que abre el trabajo. Un trabajo que se me ha hecho bastante más variado y entretenido que lo venía haciendo Luca Turilli con Rhapsody y en el que además el propio Luca se ha encargado de todo el trabajo técnico y compositivo ayudado por Sasha Paeth, logrando un gran sonido para completar un interesante documento.

Mariano Palomo

ZANARKAND "La Batalla Final"

(www.zanarkandmetal.tk)

La cantera metálica de Granada sigue dando sus frutos. Llega hasta nuestras manos “La Batalla Final”, carta de presentación de una nueva formación que bajo el nombre de Zanarkand, nombre tomado del personaje de un video juego, se lanzan a la aventura del duro e ilusionante mundo del heavy metal. A pesar de ser nuevo como grupo, en Zanarkand encontramos músicos ya con recorrido dentro de la escena metalera granadina, como el bajista Antonio Ortiz que formó parte de Absolom y Aas, y la colaboración en las voces del ex Azrael Manuel Moral que complementa a la del vocalista principal, José Manuel Varela. El resto de la banda lo conforman los guitarristas Rafael Polo y Juan Manuel Urbano, el teclista Antonio Pablo Martín y el batería Jorge Leyva. Todos ellos dan forma a cinco cortes de heavy metal, bastante clásico, con algún que otro toque épico y con buenas intenciones, aunque aun con muchos detalles por pulir y mucho margen de mejora. “Gárgola” abre el disco en plan evocador con el estribillo entrando a la primera, “Abre los Ojos” tiene mayor presencia de teclados aunque destacan los solos de guitarras, aunque como sucede en todo el disco queda algo deslavazada por la producción que es bastante pobre. “Nuevo Amanecer” empieza Maiden total, con unas guitarras tranquilas y va creciendo en su desarrollo para acabar siendo un tema más heavy épico. “Zanarkand” el tema que da nombre a la banda sigue la estela épica, sonando a unos primeros Tierra Santa, tanto en su letra como en su música. El cierre lo pone “La Batalla Final”, su tema más extenso de casi ocho minutos, que empieza lento con el piano abriéndolo y al que se le une una indescifrable voz gutural que afortunadamente apenas suena unos segundos, y que sigue trascurriendo entre sonidos de guitarra y teclados hasta que entra la voz de José Manuel para tomar las riendas de un corte que, como decía al principio tiene muy buenas intenciones, pero al que le quedan aun muchas lagunas por cubrir. Esperemos que este sexteto pueda pulir sus carencias y en futuras entregas mejoren esta, el primer paso que es el más difícil ya está dado. Suerte.

Mariano Palomo